Come e quando è nato il tuo progetto?

Ho trovato il mio cognome, De Relitti, su un taccuino del 2021, una storpiatura del nome d’arte di mio nonno.
Il nome che avevo scelto in precedenza non dialogava bene con la musica che stavo facendo, me lo fecero notare senza troppi giri di parole i due co-produttori mentre mixavamo una delle prime canzoni del mio disco d’esordio, AHAHAH (2023, Pioggia Rossa Dischi).
Così – mentre il mix prendeva forma – io mettevo insieme una lista di alternative, sperando di trovare qualcosa di più adatto: a fine giornata, la canzone era chiusa e l’occhio continuava a cadere su quel cognome un po’ altisonante, ma anche strano, praticamente un gioco di parole.
Finito d’ascoltare la canzone completa, mi sono alzato e ho detto una roba del tipo “mi sono trovato”; e i miei co-produttori mi hanno dato ragione, forse perché era decisamente l’ora di andare a casa.
Ad ogni modo, è il caso di dire che sono state le canzoni a fare De Relitti, non il contrario. 

Se dovessi riassumere la tua musica con tre parole, quali sceglieresti e perché?

Non userei tre parole separate, ma le tre che compongono il titolo di una delle canzoni del mio nuovo disco, BLUFF (2025, Grancasino Records/Pioggia Rossa Dischi). La canzone in questione è Niente di serio e il suo titolo può essere interpretato su diversi livelli: si comincia con una chiave di lettura più universale, quella che rimanda alla leggerezza di un’etica musicale “no strings attached”, niente obblighi e costrizioni: faccio la musica che mi pare, come mi pare.
E poi c’è il senso particolare del brano stesso, ma questo lo lascio chiarire alla canzone: spiega decisamente meglio di me. 

Se dovessi scegliere uno solo dei tuoi brani per presentarti, quale sarebbe e perché?

Se non dovessi mantenere un atteggiamento minimamente consono ad un’intervista, I risponderei Il prossimo.
Però non siamo qui a berci un gin tonic, quindi mi tocca prendermi sul serio e risponderti Au revoir, il primo singolo estratto dal disco nuovo. Lo trovo particolarmente rappresentativo perché è un brano chiaro-scuro, come me è denso di contrasti; una sorta di pre-breakup song che nelle strofe si imbriglia in un corto circuito emotivo, per poi esplodere in ritornelli che promettono liberazione e leggerezza anche in luogo di un tristissimo addio.
Io mi sento così: un attimo sono lì a discutere del colpo di stato in Myanmar e l’attimo dopo sono a cantare Smooth di Santana al karaoke. Non ci sono mezzi termini, che cazzo!

Come e quando è nato il vostro progetto?

I Black Wojtyla nascono nel 2009. Lorenzo Tamberi, bassista con un drive funk e un registro che copre anche sonorità da chitarra, e Michele Nastasi, trombettista proveniente dalla classica e dalla progressive, si sono trovati a improvvisare insieme durante un capodanno. È stato amore a prima vista. Il giorno dopo hanno fissato una prova. Lorenzo ha chiamato Andrea Lamberti, batterista roccioso con un passato nel punk e nella patchanka: erano nati i Black Wojtyla. 
Il trio nasce allora e, a parte qualche periodo di inattività, è sempre esistito, e la formazione attuale è ancora quella originale, perché il nostro sound e la vita stessa del gruppo sono indissolubilmente legate alle nostre caratteristiche personali.
La band ha pubblicato il primo LP CMUI diversi anni fa, e due EP, PREIUS e 3MUCH, usciti nel 2023, tutti autoprodotti. Adesso è uscito il nuovo disco CARDIO. I Black Wojtyla sono classificati tra gli emergenti, ma potremmo, piuttosto, avviarci a diventare una band di culto. In un certo senso nell’underground milanese è già un po’ così, ci conoscono e ci hanno sentiti suonare moltissime persone, talvolta anche insospettabili.

Se doveste riassumere la vostra musica con tre parole, quali scegliereste e perché?

Vitale, emotiva, enigmatica. 
Vitale perché è una vera pulsione di cuore e di spinta. I nostri brani sono pieni di energia e i nostri concerti sono potenti, coinvolgenti, il pubblico ascolta, balla e si diverte. 
Emotiva perché nella nostra musica lasciamo spazio alle emozioni, non abbiamo preclusioni rispetto a eccessi melodici e performativi, alle armonizzazioni classiche, alle frasi struggenti, e non abbiamo paura di toccare il pop e di sfiorare il kitsch – credendoci sempre molto ma facendolo con una certa ironia.
Enigmatica perché la nostra è una musica prevalentemente strumentale, che sfugge a una categorizzazione per generi, e il cui significato non è dichiarato, stabilito e stabile. Riteniamo che il nostro compito di artisti non sia quello di confermare verità ovvie, ma di sollevare dubbi non banali. E lo abbiamo fatto sempre, a partire dal nome della band, o dal singolo Giubileo con cui abbiamo lanciato il nuovo album. È un modo di toccare temi sensibili come, ad esempio, quello del cattolicesimo e della sua eredità culturale (soprattutto in Italia, e soprattutto nel campo delle arti e della musica), senza prendere una posizione di elogio o di condanna, ma lasciando che sia la sensibilità del pubblico a dare un significato alla nostra musica. Oggi la musica è spesso puro intrattenimento, non presuppone nessun pensiero da parte dell’ascoltatore. Noi non siamo così. 

Se doveste scegliere uno solo dei vostri brani per presentarvi, quale sarebbe e perché?

I nostri brani sono molto diversi tra loro, per cui sceglierne uno solo significa non rappresentare completamente la varietà sonora e ritmica della band. Dovendoci sottoporre a questa scelta crudele, un brano che oggi ci rappresenta bene è Minimum. 
Siamo molto affezionati a Minimum per la complementarietà tra la potenza dei suoni e la dolcezza delle melodie, tra i pieni e i vuoti, e per l’atmosfera lirica e tragica, cioè del tutto inattuale che lo caratterizza (nonostante in tempi in cui viviamo siano ampiamente dolorosi). Il titolo, anche per contrasto, si riferisce a questo. 
Inoltre in Minimum abbiamo sperimentato delle sonorità per noi inedite, costruite da elementi incidentali, minimi ma sempre molto rifiniti. Nella prima parte, per esempio, i cluster di tromba derivano dall’impossibilità di eseguire, in un loop creato dal vivo, note che si sovrappongano perfettamente, uno sfasamento che tecnicamente è un errore e che qui diventa elemento espressivo. Oppure, nella seconda parte, gli accenti e le legature nelle note di basso in rapida successione creano un andamento proprio, così come fa, armonicamente, la modulazione ascendente del finale. Mescolando influenze molto diverse tra loro, come sempre capita nei nostri brani: rock e metal, elettronica, raggaeton, minimalismo, musica antica, pop italiano, progressive.

Ci sono degli artisti in particolare che influenzano il tuo modo di fare musica o a cui ti ispiri?

Mi ispiro molto a girl in red, Billie Eilish e Sia. Di loro amo la sincerità, quella capacità di trasformare la fragilità in forza. Ascoltandole ho capito che la musica può essere cruda e delicata allo stesso tempo, e che l’onestà emotiva è la cosa più potente che puoi portare in una canzone.

Cosa vorresti far arrivare a chi ti ascolta?

Vorrei che a chi mi ascolta arrivasse quello che la musica ha sempre fatto arrivare a me: la sensazione di non essere soli, di sapere che da qualche parte c’è qualcuno che prova le stesse cose. Credo che una canzone, se è vera, possa diventare casa per chi la trova nel momento giusto.

C’è un artista in particolare con cui ti piacerebbe collaborare/condividere il palco?

Mi piacerebbe collaborare con Vasco Rossi, magari cantare un brano scritto da lui. Ha quella capacità unica di rendere vere anche le parole più semplici. Sul palco, invece, vorrei condividere tutto con girl in red, la sua energia, la sua libertà, il modo in cui riesce a essere se stessa davanti a tutti, mi ispirano tantissimo.