[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row css=”.vc_custom_1552435921124{margin-top: 20px !important;margin-bottom: 20px !important;}”][vc_column][vc_column_text]
[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row css=”.vc_custom_1552435940801{margin-bottom: 20px !important;}”][vc_column][vc_column_text]
Il “dizionario della musica” associa l’espressione “breakup album” a tutti quei lavori che traggono origine e ispirazione da una rottura.
Ex:Re, debutto solista e album omonimo di Elena Tonra, soave voce dei Daughter, rientra in questa categoria. Il titolo, eloquente gioco di parole, significa “Regarding Ex”, sottolineando il dolore per la fine di una storia d’amore, ma anche “X-Ray” rimandando ad una radiografia interiore, necessaria per sondare, focalizzare, curare e rimettere assieme i pezzi di una frattura emotiva.
La bella inglese mette a nudo le proprie emozioni in dieci tracce, tappe di un cammino di purificazione, dalle atmosfere malinconiche, lisergiche e triphop. Uno scenario notturno ed intimo che si addice perfettamente alla cornice del Circolo Magnolia di Milano, scelto come palcoscenico della prima delle due tappe previste inItalia, domenica 21 luglio. Scortata dalla band e dal suo timido sorriso, Elena entra in scena, puntualissima, posizionandosi al lato del palco, in una mise total black, spezzata dalla leggera trasparenza della maglia maculata. È My heart, ultimo pezzo del disco, ad aprire il set per un’esperienza di ascolto quasi a loop, dalla fine all’inizio, a rotazione. L’essenziale accompagnamento della chitarra mette subito in risalto la vocalità eterea e raffinata per poi arricchirsi, in When the time went, del ritmo modulato, mai troppo nervoso della batteria a cui siede il talentuoso Fabian Prynne (osservandolo nei movimenti ho pensato tutto il tempo al protagonista del film Wiplash). Le armonie e disarmonie del violoncello di Josephine Stephenson si trasformano nelle sirene che fanno da pattern sonoro a New York, fotografia caleidoscopica di un’anima sofferente, perduta per le vie della metropoli in preda a ricordi confusi o allucinazioni (I’m seeing things I’m missing / I miss him and I hate it / I’m drunk / New York, New York).
Alternandosi alla cinque corde e al basso, la Tonra lascia tutti gli strumenti per Too sad, cantata a occhi chiusi, con una mano al petto e una sulla pancia, punti focali del cuore e dell’istinto con cui l’artista parla a se stessa. Le luci si tingono di porpora per la rabbia e la delusione espresse dai versi di Liar che anticipa la dimensione fra l’incubo e la veglia di 5 AM, intervallo vuoto scandito dalla solennità del piano e dal ritmo ascendente e incalzante del timpano, colonna sonora dell’incedere del fantasma dei rimorsi e dei rimpianti.
<< È stato bellissimo essere con voi stasera. Grazie per tutto questo. E scusatemi per il mio italiano…La mia famiglia non abita nemmeno lontano da qui. Noi chiudiamo con questo brano… Non ne abbiamo altri >> – scherza Elena, teneramente imbarazzata, sotto la sua frangia.
Il finale è affidato al primo singolo estratto, Romance, ipnotico flusso di pensieri, memorie e dolore che, però, non permettono di smarrire del tutto una lucida concretezza. Un’artista, una donna che ammette di essere caduta nell’abisso, di averlo sondato ma di esserne riemersa. Una lezione necessaria da interiorizzare, come quella celebrata nella cover dei The Korgis, Everybody’s got to learn sometime, eseguita con tanta intensità, nell’encore. Il desiderio di regalare la sua esperienza a chi l’ha sempre sostenuta, attraverso quelle lettere mai scritte che hanno preso la forma di vita in musica, per imprimere un momento, chiudere un accordo a fine capitolo e girare pagina.
SETLIST:
My heart
Where the time went
Crushing
I can’t keep you
New York
Dazzler
Too sad
Liar
5 AM
Romance
Everybody’s got to learn sometime (Cover The Korgis)
[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row css=”.vc_custom_1552435921124{margin-top: 20px !important;margin-bottom: 20px !important;}”][vc_column][vc_column_text]
+
Enter Shikari
Tigress
[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row css=”.vc_custom_1552435940801{margin-bottom: 20px !important;}”][vc_column][vc_column_text]
Magliette dei Joy Division, bruciature di sigarette sulle braccia, birre che volano sulle teste del pubblico, pogo selvaggio, Manuel Agnelli e i suoi capelli liscissimi. No amici, non siamo nel 1999. Le cose però, per una delle mie band del cuore, non sembrano cambiate granché, ad eccezione del numero esorbitante di smartphone pronto a riprendere e a registrare qualunque nota o parola pronunciata durante questa serata. Questa bolognese del Sonic Park è una delle due date che vedranno gli Afterhours esibirsi, per quest’anno e il pubblico è molto caldo.
Mentre aspetto che il concerto inizi penso a quante volte li ho visti dal vivo, dalla mia adolescenza ad oggi. Tante, sicuramente. Vicino a me, una donna sulla quarantina indossa la t-shirt del recente tour di Agnelli, A Night With, e non smette di farsi selfie con alle spalle il palco e di far vedere a tutti quelli che la circondano i video fatti durante i passati concerti del gruppo.
Preceduti dagli I Hate My Village e Rancore, Agnelli e i suoi salgono sul palco alle 21.30, spaccando praticamente il minuto. Se non fosse per la barba imbiancata di Manuel, e insolitametne lunga, sembrerebbe davvero che il tempo non sia passato. Fin dal primo pezzo, Rapace, la band milanese è ancora in grado di trascinare il pubblico in un vortice di chitarre e suoni taglienti.
Sul palco sono felice di rivedere anche Xabier Iriondo, chitarrista storico del gruppo, per qualche anno assente dalle scene, e felicemente ritornato dal 2016.
Quando arriva Male di Miele il pubblico inizia a ballare e pogare ai lati del palco. La ragazza sulla quarantina con la t-shirt dopo qualche spallata violenta viene risucchiata da un gorgo infernale e sparisce dalla mia vista. Mi chiedo se abbia mai fatto ritorno a casa.
Nonostante, come ha ripetuto più volte Agnelli durante la serata, abbiano fatto due soli giorni di prove, la chimica e l’energia che sprigionano è rimasta immutata. Gli Afterhours sono una macchina perfetta e l’elettricità è alta, si vede che c’è la voglia di fare un bel concerto. Infatti nonostante sarebbe potuta benissimo essere la classica esibizione da “best of”, non è così. Agli Afterhours piace spiazzare il pubblico e lo sanno fare maledettamente bene. Oltre alle classiche Padania, Il Paese è Reale, Bianca, BallataperlamiaPiccolaIena e NonèperSempre ci sono anche altri brani che non vengono eseguiti così spesso dal vivo, come Oppio o Seiofossiilgiudice.
Quando arriva Il mio popolo si fa, Agnelli è completamente trasfigurato in un Cristo in croce. Qualcuno dal pubblico gli urla “sei il mio messia”. Capelli lunghi, braccia aperte, ma niente a che fare con quella faccenda del “porgi l’altra guancia”. Gli Afterhours, se ci hanno insegnato qualcosa in questi anni, è proprio a non essere passivi. La vita ti dà uno schiaffo? Benissimo, tu daglielo indietro. Più forte e dove fa più male.
Agnelli negli anni è diventato più loquace, ha una maggiore voglia di raccontarsi, ma alcune cose sono rimaste immutate. Non dirà mai qualcosa solo per accattivarsi il consenso del pubblico. Un gruppo di ragazze di fronte al palco gli urla che la loro amica sta per sposarsi. “Cosa? Ah”, fine del discorso. Non un sorriso, non un ammiccamento, niente di niente. Ma è anche per questa personalità spigolosa che il suo pubblico gli vuole bene.
Quando gli Afterhours rientrano sul palco per i bis arriva il momento Iggy Pop della serata. Agnelli si toglie la maglia e a petto nudo, roteando il microfono come se fosse un nunchaku, esegue il trittico La verità che ricordavo, Lavedovabianca e ByeByeBombay.
Chiude la serata Voglio una Pelle Splendida, al termine della quale si accendono le luci e gli Afterhours si uniscono in un grande abbraccio. Anche noi li abbracciamo idealmente. Suonare per oltre due ore, con una scaletta dei tempi migliori e tutta l’energia che avevano a disposizione, dimostra un grande rispetto per il pubblico.
Chi si aspettava un compitino ben svolto si sarà dovuto ricredere: gli Afterhours sono in ottima forma, oggi come trent’anni fa.
[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row css=”.vc_custom_1552435921124{margin-top: 20px !important;margin-bottom: 20px !important;}”][vc_column][vc_column_text]
T H E S I M U L A T I O N T H E O R Y
W O R L D T O U R
[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row css=”.vc_custom_1552435940801{margin-bottom: 20px !important;}”][vc_column][vc_column_text]
Un po’ come si è chiesto Motta durante un’intervista di qualche giorno fa, anche io mi chiedo se le persone presenti stiano ascoltando o abbiano realmente mai ascoltato o letto le parole di Lorenzo Jovanotti Cherubini nelle sue canzoni.
Si perché le cose sono due: puoi non aver capito nulla o puoi non aver ascoltato, quel che è certo è che se non concordi difficilmente potrai trovarti a tuo agio qui, dove da padrona la fa l’ecologia.
Anche qui al Jova Beach Party di Rimini, il 10 luglio, troviamo un Jova che lotta per l’ambiente e che fa intervenire un astronauta in orbita con un dolce e commovente intervento che si riassume facilmente con la sua frase di commiato “il vero nemico non sono i poveri in difficoltà, ma è il cambiamento climatico”.
L’evento, non il concerto, consta in uno spazio ampio sulla spiaggia adiacente a Riminiterme che ospita ristoranti locali, Street Food e cibi anche per vegetariani e vegani.
All’entrata si percepisce subito l’aria di festa. Impalcature centrali e laterali contengono e regolano un parterre sold out già da diverso tempo, con scenografie “spaziali” e giochi di colori.
Durante il pomeriggio numerosi dj set e Jova che, tra le transenne centrali dove era stato allestito un piccolo palco “sposa” una fortunata coppia che non riesce a trattenere la gioia e fatica quasi a parlare. È come se un abbraccio facesse sentire tutti parte di un micromondo, un piccolo spicchio ritagliato dalla realtà dove finalmente puoi rilassarti.
E poi si entra nel vivo e si diverte lui per primo. Come sempre.
Tra canzoni riarrangiate, vecchie e nuove, e dj set sulle note dei suoi artisti preferiti come Fat Boy Slim, Blur, Bruno Mars, Nirvana, Avicii, Queen, Coldplay e Chemical Brothers tra gli altri, salgono sul palco anche dei vecchi amici.
Christian Ermeti e Elisa Fuchi campioni del mondo di danze Folk salgono sul palco assieme all’Orchestra Casadei e ci salutano solo dopo la rituale Romagna Mia cantata in coro come da tradizione (lo scorso live è stata altrettanto bella e sentita).
Guardando Jova sul palco possiamo definirlo un nuovo hippie, anche se somiglia tanto agli hippie dell’epoca dei miei genitori. L’hippie bello, serio, quello dei fiori nei fucili. Tra un inno all’Europa unita e un messaggio di speranza <<Bisogna dire sì ogni tanto. Non sempre no. No a tutto. Basta, diciamo di sì>> sale sul palco anche Luca Carboni, ospite graditissimo e nostro conterraneo (Bologna è casa, diciamolo).
Assieme riarrangiano Bella in chiave reggae e improvvisano la scaletta, diversa per ogni data del Jova Beach Party in giro per l’Italia.
Poi sul maxischermo appare Soldini <<Il mare è bellissimo perché da lì arrivano tante persone ed è necessario tenerlo pulito>>.
E così la serata, tra sensibilizzazione e musiche di tutti i paesi come il bellissimo Sirtaki, scivola via leggera in tre ore di live che è più uno show che un concerto e c’è stato un momento in cui avrei voluto guardare tutti noi sulla sabbia con gli occhi di Jova: chissà cosa avrà pensato osservandoci con gli occhi pieni di gioia e commozione?
<< Mi sento il vostro babbo e non voglio essere pesante ma è davvero importante. Spero che la nostra generazione sia l’ultima che ha impattato così tanto questo pianeta. Le nuove generazioni ne sanno di più di noi, a scuola stanno facendo un ottimo. Lavoro di consapevolezza. Perché uno possa divertirsi senza sentirsi in colpa. Ultimamente capita che se uno parla di divertimento finisce quasi per sentirsi in colpa, perché usano la nostra rabbia come uno strumento per controllarci. Questo perché l’allegria non la controlli, la voglia di fare non la controlli, la pazzia non la controlli. I progetti non li controlli. E quindi abbiamo bisogno della musica di festeggiare, dell’estate e di sfogarci, perché se vogliamo avere degli obiettivi e l’obiettivo principale della nostra generazione è quello di un mondo a sempre minor impatto, fino a raggiungere il prima possibile l’impatto zero. E chi vi dice che è impossibile vi dice cazzate. Ma possiamo fare dei passi. Il primo passo e raccogliere i rifiuti non disperdere le plastiche e usarle sempre meno e riciclarle. Voglio ringraziare tutta la forza lavoro che appena ve ne andrete si metterà al lavoro per lasciarla meglio di come l’abbiamo trovata voglio ringraziare il WWF Italia, Corona, Coop e altre migliaia di persone. Oggi non so quanti siete qui davanti a me, ma la cosa importante è che ognuno di voi, se riesce, si porti via la spazzatura che ha prodotto e la butti nei posti appositi. Ora vi faccio un’altra canzone e poi ci salutiamo ma vi ringrazio molto, è stato molto emozionante con macchina che abbiamo messo insieme, è andata molto bene e speriamo che tutti per voi abbiano fatto un buon lavoro >>.
Amo chi usa la popolarità per giuste cause e Jovanotti si supera anno per anno. Forse un giorno arriverà nello spazio, come una stella che non smetterà mai di brillare.
Corte degli Agostiniani (Rimini) // 08 Luglio 2019
Perché gli anni Ottanta non smettono di tornare? Questa domanda mi gira in testa da un po’ e continua a ripetersi anche mentre aspetto che Echo and the Bunnymen salgano sul palco della Corte degli Agostiniani, a Rimini, in occasione della rassegna musicale Percuotere la Mente.
Il gruppo ha avuto un discreto successo tra il 1978 e per tutto il decennio successivo, con lembi di notorietà arrivati fino ai giorni nostri.
Qualcuno li avrà scoperti grazie ad una recente cover di Manuel Agnelli nel suo programma televisivo “Ossigeno”, altri invece se li ricorderanno per la presenza di uno dei loro pezzi più celebri, The Killing Moon, nella colonna sonora nel film culto Donnie Darko, altri ancora, quelli che negli anni Ottanta avevano vent’anni, perché sono stati uno dei gruppi più promettenti della scena inglese.
Nella serata dell’8 Luglio, a Rimini, hanno riempito l’arena estiva e dato vita ad uno spettacolo godibile, anche – e soprattutto – per l’ebrezza, vera o presunta non importa, di McCulloch. Il frontman del gruppo si colloca a metà strada tra Lou Reed e Jim Morrison.
E infatti, nella scaletta non mancano una cover di Roadhouse Blues dei Doors e un accenno sfumato di Walk on the Wild Side. A onore della cronaca, bisogna dire che Ian McCulloch non dimostra affatto gli anni che l’anagrafe gli attesta.
Il pubblico presente invece è variegato: ci sono i fan di prima generazione, ma non mancano nemmeno quelli come me, curiosi o appassionati della musica inglese di quegli anni, che hanno formato i propri gusti musicali a suon di Joy Division, Siouxsie and the Banshees o Bauhaus.
La band arriva da Liverpool, e della formazione originale rimangono solo due elementi: Ian McCulloch e Will Sergeant. Gli altri membri del gruppo presenti sul palco avranno trent’anni, più o meno.
Quindi, per quale motivo, così tante persone si stringono sotto il palco a cantare le loro canzoni, nonostante da tempo non esca qualcosa di nuovo? L’ultimo loro disco risale al 2014 e non ha fatto di certo gridare al miracolo e non può essere sufficiente il fatto che quella di Rimini sia l’unica data italiana.
Allora è vero che gli anni Ottanta stanno tornando? Probabilmente no. La mia sensazione è che il problema non siano tanto gli Ottanta, quanto il presente. Nessun periodo storico è stato così ossessionato dal passato come questo.
Stiamo vivendo una sorta di “retromania”, termine utilizzato Simon Reynolds per definire quell’innamoramento totale e assoluto per un passato più o meno recente. E proprio il fatto che si tratti di un passato recente, non reinventabile e che non lascia spazio a riscritture, è curioso.
Questo culto degli anni Ottanta, che si può trovare nella musica – Echo and the Bunnymen sono solo un esempio, il meno convenzionale, senza bisogno di scomodare altri gruppi ben più famosi e ingombranti – così come nelle serie TV, è legato alle nostre ossessioni.
Non è un caso che Stranger Things sia quello che di più vicino all’immaginario pop americano degli anni Ottanta si sia visto dai tempi di Donnie Darko. Quel periodo è stato l’età dell’oro, del benessere, ma anche l’inizio del declino. Oggi non esiste uno stile musicale così rappresentativo, come lo sia stato la new wave o il post punk, per gli anni Ottanta. La trap, forse?
La verità è che le tendenze scivolano veloci tra le dita e prima che possiamo accorgercene sono già state sostituite da qualcosa di nuovo. La realtà in cui viviamo è affollata di stili e noi, in tutta risposta, ci rifugiamo in questo passato recente di cui ancora possiamo avere memoria.
Gli ultimi tempi prima di Internet, l’ultimo decennio prima dell’invasione dell’informatica e della rete. Tutto era controllabile, gestibile, sicuro. Un piccolo Paradiso Terrestre, anche per quanto riguarda la produzione musicale.
La sensazione che ho, riguardo a questa retromania, è che rallenti ulteriormente l’arrivo di un “futuro” non meglio precisato: Lady Gaga si è ispirata a Madonna, Amy Winehouse ha ripreso gli stilemi del soul anni Sessanta, i nuovi indie indossano le magliette dei Joy Division. Mentre rimango in attesa di una tabula rasa per superare finalmente questi maledetti anni Ottanta, Echo and the Bunnyman partono subito con le grandi hit.
McCulloch e compagni hanno vissuto sulla propria pelle il post-punk e la new wave, ma solo con The Killing Moon hanno ottenuto il successo che meritavano. Per anni si sono occupati di alcuni progetti solisti fino a che non è arrivata l’inevitabile reunion. Così sono tornati, acclamati da una nuova generazione di discepoli.
Gli ultimi scampoli della loro carriera possono essere imputati alla retromania, anche se gli ultimi dischi, quelli degli anni Duemila, pur senza aggiungere niente di nuovo alla loro storia, sono comunque apprezzati dai fan. Per provare a spiegare l’affetto che il pubblico gli riserva, bisogna tirare in ballo anche la personalità di McCulloch: istrione, sopra le righe e carismatico.
Occhiali da sole anche di notte e giacca di pelle con 35°C, insieme alla sigaretta in bocca è la divisa di ordinanza, manco a dirlo, degli anni Ottanta. Quando arriva il momento, The Killing Moon fa inumidire gli occhi anche dei più insensibili. McCulloch può mostrare i muscoli o deprimersi ma risulta sempre perfetto per incarnare e raccontare la complessità di un gruppo come Echo and The Bunnymen.
Dopo le prime canzoni McCulloch fa alzare il pubblico, come si conviene a un concerto come questo, chiamandolo sotto al palco. Il quadro viene completato dal tocco decisivo, che non può mancare per completare l’affresco: l’uso dei sintetizzatori.
Quello che manca, forse, è un po’ di coraggio. Non sono i Depeche Mode che continuano a sfornare nuovo materiale, Echo and the Bunnymen stanno guardando al passato. Loro avevano le canzoni, la chitarra spettrale di Will Seargent, la sezione ritmica che funzionava come una macchina e avevano Ian McCulloch, che riusciva a camminare sul filo del rasoio, tra il punk e la poesia.
Decenni dopo sono ancora qui, in questo luogo misterioso e pieno di fan in visibilio.
Un’altra tappa per l’Indimenticabile Festival sulle pagine di VEZ Magazine in compagnia di Cecco e Cipo, in line up il 12 luglio.
Un duo toscano dall’incredibile e scanzonata energia live, fresco di uscita del quarto disco in studio: un viaggio Straordinario intriso dell’allegria e della spensieratezza che da sempre caratterizza il duo ma con una scrittura più matura e consapevole.
Li abbiamo incontrati e abbiamo fatto loro qualche domanda.
Buona lettura!
Ciao ragazzi ben trovati! Sapete che durante il periodo di pausa dopo X Factor temevo di non rivedervi più? Vi ho trovato geniali dalla prima strofa. Come componete la vostra musica e i testi? Lo fate assieme oppure vi dividete?
Ciao anche a voi e a tutti i lettori di VEZ Magazine. Siamo molto contenti di essere tornati sulla scena per raccontarvi questo nostro nuovo disco, la cui storia è iniziata con nuovi stimoli, nuove persone, nuovi luoghi e nuovi suoni. La sola cosa che non è cambiata rispetto ai nostri precedenti lavori è proprio il metodo di scrittura originale dei pezzi: o Cipo o Cecco scrivono infatti come hanno sempre fatto, ovvero rigorosamente in sedi separate. Questo perché essendo noi due persone completamente diverse, la nostra totale intimità e solitudine nel lavoro ci permette di esprimere una scrittura molto più intima e personale, e che poi all’orecchio di un fan magari un po’ più esperto permette addirittura di riconoscere di chi è la mano in una determinata canzone.
Siete una ventata d’aria fresca. Le vostre canzoni mettono allegria e fanno sorridere da quanto sono realistiche. Per esempio quanto raccontato in Dovresti farci una canzone credo sia qualcosa che possa accomunare tanti artisti. Ci raccontate un aneddoto, magari anche due, che potrebbero essere spunti di canzoni?
Grazie mille per le belle parole! In realtà ci abbiamo pensato dopo al fatto che i temi narrati in Dovresti farci una canzone siano situazioni che potrebbero accomunare diversi artisti, ma appena ce ne siamo resi conto, beh, diciamo che la cosa ci ha fatto molto sorridere! Di aneddoti che potrebbero essere spunti di canzoni ce ne sono tantissimi e possono andare dai viaggi in furgone con la band verso le location dei concerti (anzi, forse è la maggior fonte di spunti per noi artisti!) al raccontare episodi accaduti durante la pratica dei nostri hobby preferiti (una pescata, una notte in tenda, la ricerca di un paninaro buono alle 4 del mattino, ecc.); quello che però abbiamo cercato di raccontare in Dovresti farci una canzone è nello specifico di esaudire il desiderio di parenti, amici, conoscenti e non, che abbiano espressamente fatto richiesta di far entrare un particolare avvenimento (che magari ha colpito più loro che noi) nel nostro repertorio.
Nel nuovo album si sentono nuove e intimiste melodie, dolci e delicate. Come in Decidi tu, dove anche la batteria sembra concorrere al premio dolcezza assieme alle vostre voci. Com’è cambiato il vostro stile negli anni?
Sì, è un disco pieno d’amore, ma che ci possiamo fare? Ci è venuto così a questo giro. Ci sono canzoni molto dolci, accompagnate da una musica dolce, altre invece più improntate sul rock, a volte anche inglese, più da band, più elettriche, per fare ballare un po’, avevamo voglia di far ballare. E’ il nostro quarto disco, quindi forse, più maturo, per forza di cose, non perché sia più bello, ma perché siamo cresciuti noi. di sicuro oggi entriamo in studio con un’altra testa, e andiamo ai live con un’altra sicurezza, anche se siamo sempre comunque una band di scappati di casa e ne succede sempre una. a livello di suono, nei dischi precedenti si sentiva molto l’influenza dei nostri bengalini, tipo Rino, oggi, forse, stiamo trovando una strada più nostra, uno stile solo nostro, che è alla fine è quello che conta.
Ci siamo, L’Indimenticabile Festival è alle porte! Cosa vi aspettate dal pubblico e da questa opportunità?
Siamo molto orgogliosi e felici di partecipare all’indimenticabile, gran bella opportunità. Ci aspettiamo molta gente, anche se noi comunque suoneremo il pomeriggio, abbastanza presto, ma la cosa ci foga lo stesso, poi bologna è sempre estate una piazza fighissima. Non vediamo l’ora di suonare!
