Negli ultimi mesi abbiamo sentito parecchio parlare di casa, forse troppo e forse nemmeno in modo così accomodante, ma piuttosto senza troppi fronzoli. Però, nel loro nuovo album L’Ultima Casa Accogliente, che arriva dopo un 2019 di festeggiamenti tra i vent’anni di carriera, i dieci del disco Andate Tutti Affanculo, l’omonimo romanzo e il Festival di Sanremo, gli Zen Circus reinseriscono questa parola in un altro paradigma, fuori dall’attualità: la casa diventa il nostro corpo – e prima ancora il corpo di nostra madre — con una marea di immagini che vi ruotano attorno. Un corpo che può essere prigione da cui volersi liberare, come in Catrame, o può essere rifugio e rassicurazione, specie se condiviso con qualcun altro.
Certamente anche in questo disco si potrebbero trovare dei riferimenti a ciò che stiamo vivendo, ma ridurlo a questo pare un dispetto nei suoi confronti. Perché sì, è facile leggere un po’ di attualità in strofe come “Il cielo è un tetto sopra le case / quindi alla fine non usciamo mai” di Appesi Alla Luna oppure “quanto è difficile da immaginare / come una guerra dove non si muore /o una malattia che non ha sintomi e anche senza cura / non dà dolore” di Come Se Provassi Amore. Eppure, farlo sembra una cattiveria, quasi a togliere a queste canzoni quell’aura di poesia un po’ brutale che le rendono universali e non dovrebbero, quindi, perdere mai.
Già, perché se c’è una cosa che è da sempre parte integrante della discografia degli Zen Circus è la potenza che attribuiscono alle parole. Quella non cambia mai, forse è solo meno cattiva rispetto a dieci anni fa, quando cantavano Gente di Merda, ma resta comunque una forza brutalmente sincera nella sua poeticità.
Resta anche l’impegno, la volontà di far passare un messaggio che vada oltre e scuota un po’ le coscienze. Emblematica è la fine di 2050, che cerca di predire come sarà il mondo tra trent’anni piantando però il seme del dubbio: tutto quello che facciamo spinti dalla voglia di progresso servirà a qualcosa? “Abbiamo fatto tutto / abbiamo fatto niente” recita l’ultima strofa, alla fine di un climax che è un po’ anche il marchio distintivo dell’album.
È raro infatti che queste canzoni seguano la struttura classica e ripetitiva di strofa e ritornello. Al contrario, e forse contro logica, è molto più facile trovare pezzi in cui tutto è un crescendo, dalla musica alla voce che si fa sempre più carica. C’è poco che si ripete, per lasciare invece spazio ad una sorta di tensione verso l’alto. Già si vedeva nel secondo singolo pubblicato, Catrame, dove le prime frasi sono addirittura cantate a cappella prima di lasciar spazio anche a chitarra e batteria, ma si sente ancora meglio in Non, che inizia con una base di pianoforte, per poi aggiungere gli altri strumenti uno alla volta. Anche la voce diventa sempre più forte, arrivando quasi ad urlare, per poi sfumare alla fine.
Insomma, un album più suonato che pensato, per citare la stessa band. Un racconto eterogeneo dove ogni pezzo ha la sua parte, ma alla fine tutti sono legati da un unico filo conduttore, da tante immagini comuni.
E ascoltarlo, in qualche modo, lascia un po’ la sensazione di un ritorno a casa, ma una di quelle che si conoscono bene. In cui ci si sta volentieri.
Come stai vivendo questi tempi così difficili per il mondo della musica?
“Non amo le polemiche, cerco si sfruttare questo momento per migliorare, colmare le lacune che mi porto dietro avendo iniziato a suonare tardissimo e poi aspetto, mi preparo in silenzio, sperando che chi occupa le prime linee non pecchi di egocentrismo dando l’esempio ad una società completamente spaesata.”
Come e quando è nato questo progetto?
“Vanbasten prima era il nome della mia band, quella fondata con i fratelli di quartiere, fatta di urgenza di esprimersi e rabbia. Adesso invece Vanbasten sono io e mi sento come se portassi un’eredità importante, sono ancora la voce di chi ha creduto in me e la paura di deluderli mi dà tanta forza. Questo progetto, Canzoni che sarebbero dovute uscire tot anni fa il mio disco d’esordio, è un po’ come un film, sono cambiati tanti personaggi, ma la trama centrale non ha mai perso coerenza.”
Se doveste riassumere la vostra musica in tre parole, quali scegliereste e perché?
“Popolare: nel senso che sono un uomo del popolo e scrivo solo per lui.
Diretta: Odio le frasi subordinate, mi piacere mettere al centro solo quello che conta, senza orpelli lirici.
Reale: Scrivo solo quello che vedo, solo quello che posso dire di aver vissuto e consumato. Poi in modo onomatopeico vengono le melodie e gli arrangiamenti.”
Il trio torinese, nato dalla chiusura del progetto pop VIKTORY PLAZA, promette di essere una ventata d’aria fresca nel panorama core underground italiano.
La band è ufficialmente uscita con il primo singolo “JUDAS’ FRIENDS” il 10Luglio, ottenendo un’immediata approvazione dal pubblico del web portandoli vicino alle 100k streams.
Approvazione che continua dal pubblico di Spotify, facendo raggiungere il nuovo singolo “FEELS LIKE THE END” a quasi 80K streams in un mese dall’uscita della canzone sulla piattaforma di streaming più utilizzata al momento.
Gli 11|34 escono allo scoperto influenzati da molte band mantenendo uno stile loro.
Un look che richiama molto l’era di My Space e di quell’ondata Emo che ha caratterizzato questo genere, ma con un suono moderno, aggressivo.
Una voce a tratti delicata con punti dove uno scream prepotenete e pieno riempie i riff di chitarra.
Un’esclamazione del cantante Lorenzo potrebbe riassumere il concetto musicale e visivo della band
“EMO SI, MA CON QUALCHE CORDA IN PIù”.
Se siete fans dei MY CHEMICAL ROMANCE, MOTIONLESS IN WHITE, SLEEPING WITH SIRENS e band simili,
questa è una band che non potete assolutamente perdervi.
Come state vivendo questi tempi così difficili per il mondo della musica?
Giada: “È un periodo difficile non solo per la musica ma per la maggior parte delle attività e per i rapporti umani in generale. Questo 2020 ha cambiato tantissime abitudini perdendo quella “normalità” a cui tutti si era abituati. Noi ci reputiamo fortunati perché abbiamo saputo reagire al lockdown di Primavera invece di farci prendere dallo sconforto: ci siamo messi d’impegno sulla nostra musica e sul progetto The Pheromone Syndicate. Abbiamo scritto e pubblicato molti nuovi singoli e anche alcuni video, ovviamente fatti in casa con i mezzi a disposizione. Attendiamo con ansia che si possa tornare a suonare dal vivo ma nel frattempo rendiamo prezioso questo tempo creando ed imparando cose nuove.”
Come e quando è nato questo progetto?
Sandro: “Il progetto The Pheromone Syndicate nacque nel 2017 come solista. Volevo staccarmi dal genere che per avevo suonato per una vita (l’heavy metal) per dedicarmi a quelle che per me erano nuove sonorità. I primi brani ed uscite furono delle sperimentazioni piuttosto lontane da quello che oggi è il nostro vero sound. Sul finire del 2018 conobbi Giada sul set di un videoclip musicale e decidemmo di far uscire un singolo in collaborazione. Ci trovammo molto bene a fare musica assieme e così nell’autunno del 2019 rilanciammo il progetto The Pheromone Syndicate come un duo vero e proprio. Possiamo quindi dire che gli attuali The Pheromone Syndicate ufficialmente siano “neonati” nella scena musicale.”
Se doveste riassumere la vostra musica in tre parole, quali scegliereste e perché?
Electro-Pop-Rock: così abbiamo definito il nostro stile musicale. Il massiccio uso di samples e synth e il ritmo dei brani è riconducibile soprattutto alla musica elettronica; le melodie di voce e l’approccio alle lyrics richiama di più la Pop Music (soprattutto di stampo americano) mentre l’attitudine, l’uso della chitarra elettrica e la struttura dei brani sono di stampo Rock. Ci rendiamo conto che in Italia questo genere è qualcosa che ancora mai sentito. Si allontana molto dai canoni del mainstream (a partire dal cantato in inglese). Per quanto ci riguarda questo è per noi un punto di forza e ci rende a nostro modo unici.
6 novembre 2020 – A undici anni di distanza dalla raccolta finale “Ingrediente novus” Umberto Maria Giardini pubblica un brano inedito a firma Moltheni. La canzone, intitolata “IERI”, è il primo singolo estratto dal nuovo album “Senza eredità” che, in uscita l’11 dicembre per La Tempesta Dischi, rappresenta la chiusura di un cerchio, nonché l’ultimo capitolo di uno dei progetti più importanti del panorama indipendente italiano.
Moltheni esordisce nel 1999 con Natura in replay (Cyclope), contenente fra gli altri i brani ormai cult come “In centro dell’orgoglio” e “Il circuito affascinante”. Grazie a questo primo album il musicista marchigiano diventa uno dei più convincenti giovani autori all’interno della scena alternativa italiana e condivide presto il palco con alcuni dei massimi esponenti del circuito: Afterhours, Verdena, Ginevra di Marco. Nel 2000 partecipa al Festival di Sanremo (sezione “Giovani”) con il brano Nutriente. L’anno seguente pubblica il secondo album dal titolo Fiducia nel nulla migliore (Cyclope). Registrato negli Stati Uniti, il disco pone le chitarre elettriche in primissimo piano e viene tuttora considerato un caposaldo dell’alternative rock italiano. Nel 2003 contribuisce alla colonna sonora del debutto cinematografico di Franco Battiato “Perduto Amor” con il brano Prigioniero del mondo. Nel 2005 approda a La Tempesta Dischi per cui rilascia il terzo album Splendore Terrore, caratterizzato da una svolta verso sonorità legate al folk e alla psichedelia. Alla fine del successivo tour realizza Vinile live, raccolta dei suoi brani eseguiti dal vivo. Sempre nel 2005 Nel 2005 partecipa a “Respiriamo liberi”, una compilation omaggio a Lucio Battisti, nella quale reinterpreta in acustico “Il tempo di morire”. Nel 2006, con il quarto album “Toilette memoria” (La Tempesta), arriva la consacrazione definitiva. All’album partecipano tra gli altri Franco Battiato, i fratelli Ferrari dei Verdena, Carmelo Pipitone dei Marta sui Tubi. Grazie a brani come “Nel futuro potere del legno”, “Eternamente, nell’illusione di te” e “L’amore d’alloro” Moltheni mostra la facoltà di reimpostare le coordinate della canzone d’autore italiana
Uscirà il 4 dicembre 2020 “HER DEM AMADE ME – Siamo sempre pronte, siamo sempre pronti”, la raccolta realizzata in memoria di LORENZO ORSETTI, ragazzo fiorentino morto in Siria per mano dell’ISIS il 18 marzo 2019, all’età di 33 anni.
“Herdemamade me” è un progetto curato da Lucio Leoni, prodotto daBlackcandy Produzioni in collaborazione con Arci Firenze, Associazione Lorenzo Orso Tekoşer, UIKI Onlus, WJAR- WeqfaJinaAzad a Rojava e Bao Publishing.
Si tratta di una raccolta fondi, i cui proventi saranno interamente devoluti al centro Alan’s Rainbow di Kobane per dotarlo di un ambulatorio pediatrico che saràintitolato a Lorenzo Orsetti Tekoşer, partigiano internazionalista.
Il disco è pre-ordinabile al link a partire dal 5 novembre 2020:
Un doppio cd con i brani di 24 Grana, Serena Altavilla, Assalti Frontali, Angela Baraldi, Cesare Basile, Paolo Benvegnù, Giorgio Canali, Pierpaolo Capovilla, Marco Colonna, Vittorio Continelli, Max Collini, Cristiano Crisci, DaggerMoth, Ginevra Di Marco, Er Tempesta, Giancane, La Rappresentate di Lista, Lucio Leoni, Malasuerte, Mokadelic, Nummiriun, Rita Lilith Oberti, Marco Parente, Carmelo Pipitone, Rapper C J A SAP, Marina Rei, Roncea, Rossofuoco, Tre Allegri Ragazzi Morti, Giovanni Truppi, Margherita Vicario, e il contributo artistico di Zerocalcare, che ha fornito le illustrazioni presenti nel booklet, tratte dal suo fumetto “Macelli”.
MISSION E DESTINAZIONE BENEFICA DEL PROGETTO
Ricordare Lorenzo significa continuare la sua lotta. Tutti i proventi derivati dall’acquisto del supporto fisico e, successivamente, da quelli della pubblicazione dello stesso in digitale saranno destinati alle popolazioni curdo siriane, che, insieme alle minoranze etniche del nord della Siria dal 2012, portano avanti il progetto di costruzione del ConfederalismoDemocratico, ovvero una società che abbia come pilastri fondamentali la democrazia diretta, la solidarietà, l’autodeterminazione delle donne, la laicità delle istituzioni pubbliche, il superamento del concetto di Stato-Nazione, l’ecologismo e lo sviluppo di una economia non capitalista.
Grazie ai partner con i quali abbiamo collaborato (Associazione Lorenzo Orso Tekoşer, UIKI Onlus, WJAR- WeqfaJinaAzad a Rojava e Arci Firenze APS) abbiamo identificato un progetto specifico che ci proponiamo di finanziare grazie al supporto di tutte e tutti.
L’Alan’s Rainbow è un edificio dove vivono in sicurezza e in un ambiente comunitario fino a 50 bambine e bambini rimasti orfani a seguito dell’occupazione dell’ISIS di Kobanê.Oltre al semplice alloggio, in questa struttura viene offerto anche un sostegno alle bambine e ai bambini per superare le esperienze traumatiche degli attacchi di ISIS e della perdita di uno dei genitori o di entrambi. Grazie al progetto è stata creata una nuova comunità e le bambine e i bambini hanno la possibilità di crescere in un ambiente protetto e comunitario che gli permetta di superare le loro esperienze traumatiche e crearsi nuove prospettive di vita per il loro futuro.
I ricavati dalla vendita del disco saranno interamente devoluti a questo luogo con l’intenzione di dotare la struttura di un ambulatorio medico pediatrico che possa essere un centro di salute per gli ospiti dell’orfanotrofio, per tutti gli studenti e le studentessedel comprensorio formativo e per tutti gli abitanti che vivono nella zona. Per fare questo abbiamo diviso il progetto in due fasi. La prima fase doterà l’ambulatorio pediatrico degli adeguamenti e delle forniture indispensabili per poter entrare in funzione il prima possibile. La seconda fase verrà sviluppata in maniera modulare al termine della prima e dando priorità alle forniture che vengano ritenute necessarie dalla WJAR – WeqfaJinaAzad a Rojava e dall’esperienza maturata durante il primo periodo di funzionamento dell’ambulatorio.
L’ambulatorio pediatrico dell’Alan’s Rainbow sarà intitolato a Lorenzo Orsetti Tekoşer, partigiano internazionalista di Rifredi/Firenze che ha combattuto e dato la vita per la Liberazione dei popoli del Nordest della Siria.
“Herdemamade me” vuole ricordare un uomo, Lorenzo Orsetti, mantenere viva la sua memoria. Allo stesso tempo è una presa di posizione netta determinata dall’urgenza di mantenere alta l’attenzione su quella che è una delle più imbarazzanti sconfitte politiche, umane, sociali e culturali del mondo occidentale contemporaneo: la questione curda, l’abbandono e l’indifferenza del mondo intero nei confronti di un popolo che lotta per libertà propria e quella di tutti ponendosi come ultima linea difensiva nei confronti del fanatismo religioso.
Lorenzo è partito da Rifredi, quartiere di Firenze per combattere al fianco dello YPG ed è caduto a Baghuz, in Siria, mentre combatteva l’ISIS il 18 marzo 2019. Lorenzo era un ragazzo di trentatrè anni.
La compilation è frutto di una direzione artistica collettiva; ogni artista ne ha coinvolto un altro in una catena che solo per motivi tecnici si è dovuta fermare a 24 canzoni. Tra band, collaborazioni e artisti dell’immagine che hanno confezionato il disco le voci coinvolte sono però molte di più.
Artisti che, come dice il titolo, si sono fatti trovare pronti ad alzare la voce in memoria di un uomo e al fianco di un popolo; al fianco, soprattutto, di un’idea diversa di mondo e di società. L’idea ha serpeggiato la penisola a partire dal marzo 2020 e ha preso forma nei mesi successivi grazie alla disponibilità e al lavoro di ciascun artista che in autonomia si è adoperato per produrre un brano, un canto, un’opera da offrire al progetto.
BlackCandy, promotrice dell’idea, fa da collettore e cornice ad un lavoro corale, un respiro simultaneo di musicisti e musiciste, grafici e grafiche, illustratori e illustratrici, autori e autrici che hanno donato il proprio lavoro. Sentitamente grazie ad Arci Firenze per il lavoro di progettazione e la cura dedicata alle riunioni e all’ascolto, a Bao Publishing per il supporto e soprattutto grazie alla famiglia Orsetti: Alessandro, Annalisa e Chiara, che con il loro affetto, il loro amore, hanno saputo aiutarci nel costruire questo piccolo pezzo di noi, che altro non è che un altro pezzo di Lorenzo sparso nel mondo, adesso.
CREDITI
Un progetto di Blackcandy Produzioni
Ideato da: Leonardo Giacomelli, Lucio Leoni e Alessandro Orsetti
Direzione Artistica: Collettiva
Coordinamento Artistico: Lucio Leoni & Alessandro Gallicchio
Coordinamento Tecnico: Lorenzo Buzzigoli
Coordinamento del Progetto: Martina Di Loreto
Progetto grafico: Livia Massaccesi
Illustrazioni: di Zerocalcare tratte dal fumetto “Macelli” edizioni Bao Publishing
Si ringraziano GRS Studio Firenze e Tommaso Bianchi e il White sound Studio Mastering Studio
“WALK ON THE CEILING” è il NUOVO SINGOLO di GIUNGLA disponibile da giovedì 5 novembre su tutte le principali piattaforme digitali per l’etichetta Factory Flaws / peermusic Italy.
Il brano nasce a Londra, figlio di una session di registrazione della giovane artista con Andrew Savours (già collaboratore di My Bloody Valentine, The Kills, Goldfrapp, The Horrors) e di nottate trascorse a scrivere nelle note del telefono in una dimensione intima e delicata, con la testa sotto alle coperte e tra le mani soltanto la luce dello schermo.
– Il testo è nato esattamente in uno di quei momenti e mi piace pensare a questa luce come fosse una candela da proteggere e da poter donare a qualcuno di speciale. La prospettiva è ribaltata, come se di notte chi rimane sveglio a scrivere fosse in un’altra dimensione, a testa in giù; parla della bellezza di cercare un po’ di mistero e magia anche in un ambiente protetto e domestico, provare ad essere più coraggiosi di come si è durante il giorno. – (Giungla)
L’artwork del singolo è parte di un’opera dell’artista svedese Sophie Westerlind intitolata “Martina’s Flowers (olio su tela, 50 x 40 cm, 2020). Giungla ha scelto questo quadro dai tratti carichi di materia e movimento dopo avere incontrato l’artista nel suo studio alla Giudecca di Venezia, colpita dalla storia che le ha raccontato: Sophie ha iniziato a dipingere fiori per la prima volta durante il lockdown, la lontananza dalla natura aveva trasformato un soggetto che tendiamo a dare per scontato in un oggetto importante. La pittrice le ha raccontato che “dipingerli in studio è stato come fare qualcosa di prezioso e segreto” e Giungla ha trovato un’analogia per l’attitudine con cui ha scritto la propria musica negli ultimi mesi.
GIUNGLA è Emanuela Drei, musicista di base a Milano. Unendo atmosfere elettroniche e chitarra elettrica, a tratti spigolosa e arrogante ma che sa anche sfociare in sonorità più dreamy, la sua musica è un alternative pop pieno di vita come la ‘giungla’ da cui ha preso il proprio nome. Dopo aver lavorato già lavorato con Luke Smith, produttore di Depeche Mode, Foals e Anna Of The North, questa volta è entrata in studio conAndrew Savours (My Bloody Valentine, The Kills, Goldfrapp, The Horrors). Il nuovo lavoro Turbulence è previsto per la primavera 2021 in uscita su Factory Flaws. Armata di sola chitarra elettrica, sampler e la propria voce si è fatta notare velocemente raccogliendo lodi internazionali e quasi un milione di ascolti. Ha diviso il palco con The xx, Foals, Grimes e Battles e ha partecipato ad alcuni tra i più importanti appuntamenti live: SXSW in Texas, Sziget Festival a Budapest e The Great Escape a Brighton.
Factory Flaws è una digital boutique label e publishing italiana nata nel 2016, specializzata nella promozione e distribuzione di artisti italiani con sonorità indirizzate ad un pubblico internazionale.
Con uno sguardo rivolto al mondo della moda e della cultura a 360 gradi, fieramente gender balanced e sostenitrice delle diversità espresse da ciascuno dei propri artisti, fin dagli esordi è riuscita a farsi notare dalle più influenti testate web e tastemaker internazionali, portando i propri progetti su siti come Gorilla Vs Bear, Clash Magazine, Noisey USA, Nylon e COLORS.
In poco più di 4 anni e con un roster selezionatissimo ha macinato più di 10 Milioni di streaming, scalando le playlist mondiali di Spotify e contribuito a far partecipare i propri artisti ai festival internazionali più importanti degli ultimi tempi, fra cui SXSW, Primavera Sound, The Great Escape e Eurosonic. Tra gli artisti del roster HÅN, Giungla, Eugenia Post Meridiem, Iside, Lucia Manca, Tauma e Albert
Quattro gli appuntamenti organizzati da Doc Servizi e Freecom Media: l’evento in streaming con il FAS Forum Arte e Spettacolo e le proposte di riforma per il settore forse più colpito dalla pandemia, il seminario virtuale sulle nuove tecnologie al servizio della musica e degli artisti con, tra gli altri, Max Casacci, la conversazione con Simon Says e Leo Pari a SAE Institute Milano, e gli incontri di “Tenera è la notte” con la seconda edizione del Premio Dino D’Arcangelo.
Milano, 4 novembre 2020_4 eventi in streaming e oltre 15 ospiti confermati. Ecco la risposta della rete Doc alla chiusura di teatri e sale da concerto, imposto dall’ultimo DPCM al settore degli eventi e dello spettacolo dal vivo. Per il terzo anno consecutivo alla Milano Music Week, la rete Doc, la più grande rete cooperativa di professionisti dei settori Arte, Cultura, Musica, Spettacolo e Industria Creativa, arriva a Milano con l’obiettivo di valorizzare tutte le professioni che gravitano nel mondo dello spettacolo, obiettivo che Doc persegue da 30 anni in Italia e ora anche all’estero.
RIFORMARE LO SPETTACOLO Un dialogo sulle proposte del FAS Forum Arte e Spettacolo
L’emergenza Covid-19 ha creato uno stato di crisi che sta mettendo in ginocchio da mesi il settore dello spettacolo, evidenziandone le problematiche strutturali. Oggi lavoratori e imprese chiedono di riformare il sistema. Oggetto dell’incontro in streaming (sul portale R3B3L), previsto per martedì 17 novembrealle ore 15.15, saranno le proposte elaborate dal FAS Forum Arte e Spettacolo. Si confronteranno sul tema Filippo Del Corno, Assessore alla Cultura del Comune di Milano, Chiara Chiappa, presidente Fondazione Centro Studi Doc, e Annarita Masullo, portavoce de La Musica Che Gira. Modera il giornalista Andrea Conti (Il Fatto Quotidiano).
TENERA È LA NOTTE
Torna alla Milano Music Week “Tenera è la notte”, il format ideato da NicoNote e Pierfrancesco Pacoda con il desiderio di raccontare gli scenari della club culture. Due gli appuntamenti da segnare in agenda mercoledì 18 novembre, sempre in streaming sul portale R3B3L.Alle ore 16 si terrà la presentazione del libro “Tenera è la notte. La club culture di Dino D’Arcangelo” (Interno4 Edizioni, 2020). Una raccolta, a cura di NicoNote e Pierfrancesco Pacoda, di tutti gli scritti che il giornalista Dino D’Arcangelo, sulle pagine de La Repubblica e del suo supplemento Musica, dedicò alla musica e alle tendenze che fecero ballare un’intera generazione per più di un decennio, dalla scena rave romana, alle discoteche della riviera romagnola, dai dj superstar ai remix underground. Alle ore 17, sempre in streaming, verrà consegnato per il secondo anno il “Premio Dino D’Arcangelo”, assegnato a una personalità particolarmente significativa per l’evoluzione della club culture in Italia. In giuria Ernesto Assante, NicoNote, Pierfrancesco Pacoda, Simona Faraone, Francesco Costantini, Principe Maurice, Pierluigi Pierucci, Claudio Coccoluto, Damir Ivic.
A CONVERSATION WITH SIMON SAYS E LEO PARI
SAE Institute Milano, in collaborazione con Doc Servizi, ospiterà Simon Says e Leo Pari per un confronto sull’approccio alla produzione musicale. L’incontro, che si terrà mercoledì 18 novembrealle ore 18.30 in diretta streaming (https://www.sae.edu/ita/it/mmw-simon-pari) verterà su come gestire il lavoro avendo come obiettivo finale sempre la produzione di musica qualitativamente di alto livello.
LE NUOVE TECNOLOGIE AL SERVIZIO DELLA MUSICA E DEGLI ARTISTI Lo scenario attuale e le nuove frontiere nella formazione, produzione, comunicazione e fruizione della musica
Sarà un incontro in streaming dedicato all’innovazione tecnologica in ambito di promozione, produzione e sostegno all’industria musicale e artistica, quello di giovedì 19 novembre alle ore 19, moderato dal giornalista Aldo Macchi. L’evento (gratuito su prenotazione) sarà aperto a tutti, con un gadget esclusivo per chi si registrerà dal portale R3B3L. Tra gli ospiti, Max Casacci, produttore e compositore nonché fondatore dei Subsonica, in uscita con un nuovo progetto prodotto utilizzando solamente i suoni degli elementi della Natura; Manuela Martignano, social media manager di OTR Live; Gianluigi Fazio, autore produttore e musicista; Marco Borroni – Direttore del MIR Tech di Rimini che parlerà delle novità del mercato; Matteo e Alberto Ria, Gabriele Serra di Your Live App, il nuovo “music advisor” per trovare l’evento più vicino a te, scrivere recensioni su venue e arristi; Federica Torchia, booking manager di Machete Productions; Christian De Rosa, Industry Relations Officer edEmiliano Alborghetti, Direttore Accademico di SAE Institute Milano.
ore 16: TENERA È LA NOTTE – Presentazione del libro “TENERA È LA NOTTE la club culture di Dino D’Arcangelo” (a cura di NicoNote e Pierfrancesco Pacoda): https://www.rebellive.it
Attenzione: in ottemperanza ai provvedimenti emanati su scala mondiale per contrastare la diffusione del virus COVID-19, la data italiana degli H.E.A.T. è stata rinviata al29 ottobre 2021, sempre al Legend Club Milano.
Inoltre è stato confermato il ritorno del cantate originale Kenny Leckremo, un’occasione in più per non perdere questa data
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LA BAND
I neonati H.E.A.T iniziano a guardarsi attorno nel 2007 e a suonare a tutti i più piccoli e impensabili concerti che gli passavano tra le mani: ciò li porta a conoscere l’attore di Hollywood svedese Peter Stormare, che li accoglie prontamente nella sua etichetta, portandoli a calcare numerosi palchi più o meno famosi ancora prima della pubblicazione del loro debutto.
Nel 2008 esce l’album d’esordio “H.E.A.T”, che si rivelerà un’enorme iniezione di energia per il genere: al suo rilascio la band intraprende un esteso tour in lungo e in largo per la Svezia.
Da lì in poi gli H.E.A.T continuano a crescere anno dopo anno, cercando di portare sempre qualcosa di nuovo ad ogni uscita senza però dimenticare le loro radici e i loro marchi di fabbrica: un sound possente e fiero, figlio della migliore tradizione hard rock.
Avvicinati spesso ai Treat o ai migliori TNT, gli svedesi propongono un rock melodico riconoscibilmente scandinavo ma influenzato dal fenomeno revival americano di fine Ottanta/inizio Novanta, trasudando maestria e passione per il genere.
L’epoca d’oro dell’hard rock rivive di nuovo in maniera convincente, scintillando di nuova luce, grazie anche alla produzione cristallina e ad uno spiccato buon gusto negli arrangiamenti.
–––––––––– 🎶 H.E.A.T Support: Reach Opener: Temple Balls 29 OTTOBRE 2021 📍LEGEND CLUB, MILANO
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Prevendite disponibili su
Ticketone -> http://bit.ly/33iy7rL
Mailticket -> http://bit.ly/34skK9D
I biglietti già acquistati per la data di maggio restano validi
Ci sono degli artisti in particolare a cui vi ispirate per i vostri pezzi?
“Sicuramente qualsiasi canzone o band ascoltata nella nostra vita ci ha influenzato. Le band più importanti sono state Verdena, Afterhours, Marta sui Tubi, Massimo Volume e C.S.I. per quanto riguarda l’Italia. All’estero sicuramente Bon Iver, RY X, Chet Faker, Hiatus Kayote, Alt-J. Potremmo continuare a elencare artisti per ore, tutti loro rientrano nelle nostre influenze.”
Se doveste riassumere la vostra musica in tre parole, quali scegliereste e perché?
“SPERIMENTAZIONE, perché uno dei nostri obbiettivi è quello di non porci nessun limite. Capita spesso di entrare in studio e “scambiarsi” i ruoli solo per vedere cosa esce fuori. Provare sempre qualcosa che non abbiamo mai suonato e cercare di renderlo “nostro” è qualcosa che ci piace da morire.
PSICHEDELIA, che significa “allargamento della coscienza”. Per noi la musica è anche un momento di introspezione. Succede spesso che si scriva un testo e ci si accorga in un secondo momento di quale fosse il suo significato profondo, quali aspetti rivelasse del nostro modo di pensare e anche quali messaggi per migliorare il nostro approccio agli eventi della vita. La speranza è che possa innescare questo processo anche nell’ascoltatore.
AMICIZIA, che potrà sembrare banale, ma è la parola che descrive perfettamente il rapporto tra noi tre. Suonare è, oltre che una passione incontenibile, un modo per passare del tempo con persone importanti, senza maschere, sinceramente, connettendosi attraverso la scrittura di canzoni. Non è una fortuna che capita a tutti, quindi merita di rientrare nei vocaboli scelti!”
Cosa vorreste far arrivare a chi vi ascolta?
“Ci piacerebbe che la nostra musica riuscisse a toccare le corde inconsce dell’ascoltatore. Nelle nostre canzoni mettiamo oltre al nostro vivere quotidiano, ricordi e riflessioni su delle storie molto strane che abbiamo avuto la fortuna di vivere. Penso che molto di quello che inseriamo nei testi e nelle musiche sia qualcosa che ogni essere umano sperimenta durante la sua esistenza e che quindi per questo ci si possa ritrovare. Nella speranza, perché no, che possa aiutare a sciogliere alcuni blocchi, a slegare dagli schemi. Senza, ovviamente, voler essere dei maestri o dei guru. Siamo persone comuni che scrivono di vite comuni che, in quanto tali, sono condivise un po’ da tutti.”
“Mi chiamo Filippo Cattaneo Ponzoni, ho vent’anni e sono un cantante, chitarrista e cantautore di Bergamo. Dal 2018 sono il chitarrista di Ghemon e nel 2019 ho intrapreso in parallelo il mio progetto da solista. Ho iniziato a scrivere canzoni poco più di un anno fa e il processo è avvenuto in maniera molto naturale. Sicuramente i miei concerti, quelli insieme a Ghemon e l’attività in studio con lui hanno favorito e stimolato l’esigenza di scrivere. Ho lavorato al mio primo EP per circa un anno e il lavoro è arrivato a compimento durante il periodo di quarantena. La Tua Alternativa, il mio primo EP,è stato prodotto da me e da Fabio Brignone, registrato da Marco Ravelli, fonico dei Pinguini Tattici Nucleari. Le copertine dei singoli e dell’EP sono state curate da Paolo De Francesco, noto grafico italiano che negli anni ha collaborato con Mika, Zucchero, Tiziano Ferro, Samuele Bersani, Diodato e molti altri.”
Cosa vorreste far arrivare a chi vi ascolta?
“Quando scrivo le mie canzoni cerco di esprimere il mio punto di vista riguardo tematiche e sensazioni che provo in prima persona e che sono comuni. Mi piace l’idea di lasciarmi influenzare e sperimentare senza mettere confini. Il sound che ne deriva è frutto di queste contaminazioni che vanno dal cantautorato italiano al Pop-Rock e al Blues dove la chitarra è protagonista ma sempre al servizio delle canzoni. Spesso è proprio questo strumento il punto di partenza della mia scrittura. Quello che vorrei far arrivare alle persone che ascoltano la mia musica è di immedesimarsi in quello che vivo. Nei miei testi penso ci siano spunti di riflessione che l’ascoltatore può fare propri e in cui si può identificare. Mi piacerebbe che la mia musica potesse emozionare le persone che la ascoltano.”
Progetti futuri?
“Attualmente sto lavorando a nuove canzoni e pensando ad un disco. Chiaramente c’è la speranza di poter tornare a suonare dal vivo. Tengo particolarmente all’aspetto live perché dal mio punto di vista è un’esperienza totalizzante in cui chi è sul palco può comunicare senza filtri e barriere con le persone.”
C’è una cosa che da tempo ormai viene recriminata ai Bring Me The Horizon: di non essere “più gli stessi”, di non essere più quelli che cantavano Chelsea Smile, ormai dodici primavere fa. E si sa che il fan duro e puro difficilmente perdona, tanto che a questa simpatica categoria antropologica era anche stato dedicato il brano Heavy Metal, contenuto nello scorso album e che era stato la miccia che aveva fatto dilagare ulteriormente la polemica.
Però, con POST HUMAN: SURVIVAL HORROR, anche il fan duro e puro ritrova le sue vecchie certezze e le ritrova fin dal principio. La prima traccia, Dear Diary, ricorda molto i primi lavori della band, ma non si tratta certo di una regressione fine a se stessa o del ripudio del cambiamento che stavano attraversando. Questo album, infatti, è un ottimo frutto del suo tempo. Non a caso, lo stesso cantante Oli Sykes aveva già ammesso in un’intervista che sarebbero ritornati alle origini perché nel fortunatissimo anno domini 2020 avevano di nuovo qualcosa per cui essere arrabbiati e un sound più crudo e violento non può che esserne la naturale conseguenza.
Però la ricerca e la sperimentazione fatte in questi anni non sono state completamente dimenticate e lo si sente soprattutto nelle collaborazioni. Abbiamo l’intro quasi angosciante di Parasite Eve, eseguito in bulgaro da un coro femminile, in grado di dare un’idea di cerimonia solenne e contemporaneamente di qualcosa di incomprensibile in arrivo.
Anche il featuring con Amy Lee degli Evanescence in One Day the Only Butterflies Left Will Be in Your Chest as You March Towards Your Death è un esperimento riuscito alla grande. In quella che sembra a tutti gli effetti una ballad — e mai avrei pensato di accostare la parola ballad ai Bring Me The Horizon — le voci di questi due cantanti che hanno segnato un’intera generazione di adolescenti si sposano alla grande e danno vita a una canzone struggente quanto basta per concludere un album decisamente arrabbiato con una nota di malinconia.
In nove canzoni, i Bring Me The Horizon hanno infatti raccontato uno scenario post-apocalittico (o post-umano se preferite), dove la tecnologia fa da padrona e sembra impossibile qualsiasi contatto umano autentico. La sensazione generale che si insinua più facilmente è quella di essere di fronte ad un’imminente fine del mondo, ma con abbastanza rabbia in corpo per provare a reagire.
Resta comunque molto facile scorgerci sotto elementi di attualità. Si sprecano i riferimenti e i richiami alla pandemia e anche se spesso e volentieri le canzoni sono state scritte prima della diffusione del virus — il primo singolo Ludens è uscito quasi un anno fa — il collegamento che si fa ascoltando questi pezzi è ormai immediato. Da titoli come Itch for the Cure (When Will We Be Free?) fino ad intere strofe in altri pezzi, l’album è in grado di riassumere quello che bene o male tutti abbiamo vissuto e stiamo vivendo, anche se probabilmente l’intenzione in partenza non era questa.
Una su tutte, parte del ritornello di Parasite Eve, suona abbastanza profetica: “When we forget the infection/Will we remember the lesson?”
Quando avremo dimenticato la malattia, ci ricorderemo la lezione?
Ai posteri l’ardua sentenza, avrebbe detto qualcuno…
