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I-DAYS Milano 2027: BLINK 182 il primo headliner!

Scritto da Redazione il . Pubblicato in News.

I-DAYS Milano 2027

arriva il primo grande headliner della prossima 
edizione della concert series più importante d’Italia  

blink-182 

Prima di loro
PIERCE THE VEIL 

Domenica 13 giugno 2027 – Ippodromo SNAI SAN SIRO

BIGLIETTI DISPONIBILI
SU MY LIVE NATION dalle 10:00 di giovedì 25 giugno
VENDITA GENERALE dalle ore 10.00 di venerdì 26 giugno
SU TICKETMASTER, TICKETONE E VIVATICKET

Milano, 22 giugno 2026. A pochi giorni dalla partenza dell’edizione 2026 di I-DAYS Milano Coca-Cola arriva il primo grande annuncio di I-DAYS 2027: i blink 182, la band californiana tornerà per la terza volta sul palco della concert series più importante d’Italia dopo le edizioni 2000, 2010 e 2017, un ritorno che conferma il ruolo centrale, in Italia e non solo, della manifestazione organizzata da Live Nation 6. 

I biglietti saranno disponibili su MY LIVE NATION dalle 10:00 di giovedì 25 giugno e in vendita generale dalle ore 10.00 di venerdì 26 giugno su Ticketmaster, Ticketone e Vivaticket.

Provenienti dalla California del Sud, i blink 182 si sono affermati attraverso epoche e generazioni come una delle band più influenti di questo secolo. Ad oggi, il trio – Mark Hoppus [basso, voce], Tom DeLonge [chitarra, voce] e Travis Barker [batteria] – ha venduto oltre 50 milioni di album in tutto il mondo, ha ottenuto una nomination ai GRAMMY® Award, ha totalizzato miliardi di stream e ha raggiunto la vetta delle classifiche globali. Con inni come “All The Small Things“, “What’s My Age Again?”, “I Miss You“, “Feeling This” e molti altri, il loro catalogo comprende il disco di platino “Dude Ranch” [1997], il 5 volte platino “Enema of the State” [1999], il 2 volte platino “Take Off Your Pants and Jacket” [2001] e il 2 volte platino “blink-182” [2003]. Hanno conquistato ben due posizioni nella Top 10 della classifica “50 Greatest Pop Punk Albums of All Time” di Rolling Stone. Nel 2023, “ONE MORE TIME…” ha coronato una stagione di ritorno memorabile ottenendo il loro terzo debutto al numero 1 della Billboard 200 e dando il via a un imponente tour mondiale negli stadi.

Dal 1999 ad oggi gli I-DAYS sono diventati simbolo di un cast artistico di alto livello e sempre attuale che risponde alle esigenze di un pubblico davvero appassionato di musica e ogni giorno più attento e variegato.
A conferma di questa forte identità il calendario di I-DAYS Milano Coca-Cola 2026:

25 giugno 2026          MAROON 5                            Ippodromo Snai San Siro      **UNICA DATA ITALIANA
03 luglio 2026           Florence + The Machine      Ippodromo Snai San Siro
                                    MANIC STREET PREACHERS
                             CLIFFORDS           

05 luglio 2026           FOO FIGHTERS                       Ippodromo Snai la Maura     **UNICA DATA ITALIANA
                                   IDLES
                                   FAT DOG

06 luglio 2026          System of a Down                 Ippodromo Snai la Maura     **UNICA DATA ITALIANA
                                 Queen of the stone age        
                                   Acid Bath        

04 settembre 2026    TONYPITONY                         Ippodromo Snai San Siro      
06 settembre 2026    DAVID GUETTA                      Ippodromo Snai San Siro      **UNICA DATA ITALIANA
10 settembre 2026     A$AP ROCKY                          Ippodromo Snai San Siro       **UNICA DATA ITALIANA

Nato nel 1999 e inizialmente noto come Independent Days Festival, l’I-DAYS ha ospitato fin dagli esordi grandi nomi della musica mondiale: Arcade Fire, Arctic Monkeys, Blink 182, Green Day, Imagine Dragons, Justin Bieber, Kasabian, Liam Gallagher, Linkin Park, Manu Chao, Muse, Nine Inch Nails, Noel Gallagher’s High Flying Birds, Pearl Jam, Placebo, Queens Of The Stone Age, Radiohead, Sigur Ros, Sonic Youth, The Killers, The Offspring, Tool, Velvet Revolver, Travis Scott, Red Hot Chili Peppers, Florence + The Machine, Rosalìa, Paolo Nutini, The Black Keys. A questi si aggiungono negli ultimi anni i METALLICA, LANA DEL REY, GREEN DAY, DOJA CAT, TEDUA QUEENS OF THE STONE AGE, BRING ME THE HORIZON, YUNGBLUD, AVRIL LAVIGNE, SIMPLE PLAN e STRAY KIDS e se l’edizione 2023 aveva portato a Milano oltre 320 mila persone battendo il record di paganti ad un festival italiano registrato in precedenza sempre dagli I-DAYS nell’edizione del 2017 (tenutasi al Parco di Monza – Autodromo Nazionale), il record era stato battuto nuovamente nel 2024 con oltre 420.000 spettatori provenienti dall’Italia e dall’estero. Grande risultato anche per l’edizione 2025 che si è aperta con l’unica data italiana del tour mondiale di Justin Timberlake (una vera masterclass del pop mondiale davanti ad oltre 30 mila fan – record di presenze per il performer americano nel nostro paese) è proseguita con l’attesissima DUA LIPA (anche per lei quella di Milano è stata l’unica data nel nostro paese e i 70 mila fan in delirio hanno segnato un vero record per la nuova dea del pop che ha ammaliato il pubblico con una serata tra hit mondiali, cambi d’abito e perfino la cover di Raffaella Carrà) prima dell’arrivo dei DURAN DURAN (che hanno festeggiato l’ultima tappa italiana del loro tour applauditi da 20 mila persone – il loro maggior pubblico di questa estate nel nostro Paese) e dei LINKIN PARK (78.500 fan per un sold out pieno di emozioni per un’attesa lunga 8 anni e il record di presenze per la band nel nostro paese). 27 mila fan in completo visibilio hanno partecipato all’unica data italiana del tour mondiale di OLIVIA RODRIGO prima dell’arrivo di POST MALONE (davanti a 25.000 presenti), un altro grande colpo per la manifestazione ideata e guidata da LIVE NATION 6 che in 26 anni di I-DAYS ha abituato il pubblico italiano ad ascoltare il meglio della musica, dal pop al rock, dall’indie al metal, portando in Italia sia artisti già affermati a livello globale che puntando le sue fiches sui nomi più nuovi in circolazione.

Per maggiori info su I-Days Milano

www.idays.it
https://www.facebook.com/IDaysMilano/
https://twitter.com/IDaysMilano
https://www.instagram.com/idaysmilano/

Dogstar @ Große Freiheit 36

Scritto da JP Molloy il . Pubblicato in English, Germany, Live.

OK, let’s get this out of the way first. Yes, Keanu Reeves is the bass player in Dogstar. Yes, the famous Hollywood actor from The Matrix, John Wick, and Bram Stoker’s Dracula. This was also the source of my biggest disappointment of the night. Much of the crowd seemed more interested in filming Reeves than engaging with the performance on stage. It’s the unavoidable downside of having a Hollywood icon in your lineup, I suppose, but it’s worth remembering that this band started in the early ’90s with Bret Domrose, Robert Mailhouse, and Reeves as lifelong friends not as some vanity project – looking at you, Johnny Depp.

Dogstar took to a hot and sweaty stage at exactly 9 p.m at Hamburg’s famous Grosse Freiheit club, opening with Siren from their new album, All In Now. Vocalist and guitarist Bret Domrose, drummer Robert Mailhouse, and bassist Keanu Reeves have been together since 1991, reuniting during the pandemic after a two-decade hiatus. It’s clear that Dogstaris built on friendship and a genuine love of making music rather than Hollywood status (it doesn’t bloody hurt ticket sales, though, does it?).

Musically, they deliver an energetic blend of alternative rock driven by Domrose’s soaring vocals, jangly guitar work, Mailhouse’s steady drumming, and Reeves’ workmanlike bass lines.

Standout tracks included Joy, This Sphere, Math, and Exalted, while the band powered through much of All In Now, alongside selections from Somewhere Between the Power Lines and Palm Trees.

Solid stuff. I must admit that seeing three friends simply doing their thing on stage is a joy and something rather enviable at that.

The Flaming Lips @ Bonsai

Scritto da Lucia Adele Nanni il . Pubblicato in Festival gallery.

I Flaming Lips sono una delle ultime grandi anomalie del rock contemporaneo. Una storica band psichedelica americana costruita attorno alla figura carismatica e imprevedibile di Wayne Coyne, ma soprattutto un gruppo che da decenni si rifiuta ostinatamente di fare dei semplici concerti. Ogni loro esibizione è un gigantesco carro allegorico in movimento, un circo pirotecnico dedicato alla creazione di un mondo alternativo dove non esistono sfumature di grigio, buonsenso o normalità. Una fiaba in technicolor nella quale tutto è possibile. Del resto, cosa ci si può aspettare da una band la cui leggenda racconta che sia nata dopo il furto di alcuni strumenti musicali da una chiesa?

Il concerto al BOnsai Festival di Bologna è rimasto in dubbio fino all’ultimo. Nei giorni precedenti Wayne Coyne era stato colpito da una brutta polmonite: la data di Vienna era stata cancellata e tra i fan iniziavano a circolare voci sempre più insistenti su un possibile forfait anche in Italia. Per fortuna, pochi minuti prima dell’inizio, Coyne è comparso sul palco in carne, ossa e voce roca. Ha subito chiesto scusa al pubblico, avvertendo che le sue condizioni non erano ancora ottimali. E in effetti qualche momento di difficoltà vocale durante la serata c’è stato. Ma sarebbe davvero meschino soffermarsi su questo, perché il concerto è stato talmente bello da rendere ogni imperfezione del tutto irrilevante.

L’apertura è stata esplosiva: Yoshimi Battles the Pink Robots Pt. 1 e, contemporaneamente, il gonfiaggio sul palco di due giganteschi robot rosa che hanno danzato come inquietanti guardiani kawaii per tutta la canzone. Da quel momento in poi è iniziata una lunga e felicissima escalation di nonsense visivo. Costumi improbabili, coriandoli, palloni giganti, laser sparati sul pubblico e visual in costante mutazione hanno trasformato il concerto in una sorta di viaggio psichedelico collettivo. Un trip meraviglioso che, per una volta, non richiedeva alcun supporto farmacologico. Ovviamente non poteva mancare la tradizionale scritta in palloncini “Fuck Yeah Bologna”, accolta con entusiasmo da un pubblico già completamente conquistato. L’unico piccolo rimpianto riguarda l’orario d’inizio. Con il sole ancora alto, gran parte dell’imponente apparato luminoso della band è rimasto inizialmente sacrificato dalla luce naturale. Solo con il calare della sera si è potuto apprezzare pienamente il lavoro di laser, colori e proiezioni che costituisce da sempre una parte fondamentale dell’esperienza Flaming Lips. Uno dei momenti più emozionanti è arrivato durante Do You Realize??, accompagnata da un enorme arcobaleno gonfiabile apparso alle spalle della band come se fosse uscito direttamente da un cartone animato progettato sotto LSD. Per She Don’t Use Jelly, invece, Coyne ha scelto una soluzione più sobria: limitarsi a lanciare una decina di giganteschi palloni gonfiabili sopra la testa del pubblico. Del resto, ognuno ha la propria idea di minimalismo. Immancabile anche il momento cover. E qui il concerto ha toccato uno dei suoi vertici emotivi. True Love Will Find You in the End di Daniel Johnston, già di per sé una canzone capace di spezzare il cuore, è stata interpretata da Coyne mentre indossava un enorme costume gonfiabile da alieno che simulava un rapimento extraterrestre. Una scena che, descritta così, sembra ridicola. E invece era sorprendentemente commovente. Forse perché solo i Flaming Lips riescono a far convivere il kitsch più sfrenato con una sincerità emotiva assoluta. Il finale è stato affidato a War Pigs dei Black Sabbath, preceduta da un breve ma sentito appello alla pace e alla fine delle guerre. Un messaggio semplice, forse persino ingenuo, ma perfettamente coerente con l’idea di mondo che la band continua a portare in scena da quarant’anni.

Perché il vero miracolo dei Flaming Lips resta sempre lo stesso: sotto tonnellate di coriandoli, pupazzi gonfiabili, laser e psichedelia, continuano a esserci canzoni straordinarie. Canzoni capaci di emozionare anche se venissero suonate in una stanza vuota, senza effetti speciali e senza alieni giganti. Il resto è solo un meraviglioso, coloratissimo bonus.

Alessandra D’aloise

Solitude

Scritto da Alberto Adustini il . Pubblicato in Ascolta.

“The art is the artist”.

Quando si parla di Stu Larsen nessuna frase credo sia in grado di definirlo meglio di così.

Australiano d’origine, apolide per indole o per necessità, Larsenarriva al suo quarto lavoro sulla lunga distanza (dopo Vagabond, Resolute e Marigold) con Solitude, uscito per la Nettwerk, etichetta indipendente che vanta tra le proprie fila gemme come Alice Phoebe Lou, James Vincent McMorrow, Night Tape. Stupubblica il disco dichiarando in maniera esplicita e quasi pragmatica le proprie intenzione: un anno intero in solitudine, dodici paesi diversi, dodici brani.

Il risultato, come è facile aspettarsi, è un viaggio che corre su due binari: il primo più banalmente geografico, che porta il nostro dalla Nuova Zelanda, all’Italia, alla Germania, alla Patagonia.

Il secondo, parallelamente, si sviluppa su un piano maggiormente emotivo, spirituale, in alcuni casi addirittura terapeutico.

Dodici brani che partono “da casa”, ovvero Nuova Zelanda e Australia, da un mattino nebbioso (Misty Morning), brano Larseniano se ce n’è uno, chitarra folk sulla quale fa capolino un’armonica non scontata e decisamente riuscita e Xanadu, primo faccia a faccia con la solitudine causata dalla fine di una relazione… qualche eco boniveriano qua e là, pezzone comunque.

Malinconia che tuttavia torna protagonista in maniera decisiva in Shelter, che parte benissimo solo piano e voce, per poi svilupparsi in un crescendo che sa un pò di già sentito, salvo poi rinsavire nel finale, nuovamente a far fronte alla solitudine potendo contare solamente sulla propria voce.

Sarà un pò questo il tratto distintivo di Solitude, un oscillare regolare tra momenti più vivi (Other Side) ad altri nel quale il cuore si apre, quasi a ringraziare (I’ll Be Your Hallelujah, a mio avviso il vero vertice artistico del disco) o a fare i conti con il presente (Nobody Knows).

Solitude è esattamente quello che ci si aspetta da un disco di Stu Larsen, che si conferma un grandioso autore di canzoni, una penna magnifica con un’innata capacità di creare poesia. Solitude è il manifesto del suo folk, ed Eden ne è la sua sublimazione, un brano di oltre 9 minuti, una necessaria quanto dolorosa discesa nel proprio inconscio per riemergere facendo pace con se stessi. Larsenpare insegnarci a non riempire il vuoto, ma a conviverci, e perchè no, ad abitarlo.

Aldous Harding @ Store VEGA

Scritto da Francesca Garattoni il . Pubblicato in Denmark, English, Live.

It’s almost Summer in Copenhagen, only a few days away from the solstice, and I find myself entering VEGA in broad daylight to experience Aldous Harding in concert.

While waiting for the room to fill out, an interesting opening act takes the stage. They are Vera Ellen, a quartet already known to VEGA for playing here not long ago.

Their tunes are deep, profound and hard and mellow at the same time, a very interesting contraposition. While their set floats between rock, prog and a touch of jazz drums, the last song is something breathtaking: nocturnal, intimate, the deep rough voice of the singer and piano.

The stage is swiftly emptied of all the extra equipment, leaving a semi circular arrangement of instruments: drums, guitar and keyboard, bass and keyboard and keyboard with harp. In the exact center of the stage, a mic stand, a stool and a guitar waiting for Aldous Harding.

The first impression when she takes the stage is that we’re looking at a theatrical performance: her steps are stiff, her moves calculatedly slow; I find my attention captured by her hands, that are saying way more than the words sang.

The concert opens with the first three songs of the new album Train on the Island, although not in the same order of the record. The voice is deep, the movements essential and the crowd attention is completely taken hostage.

As the songs roll from the stage to the adoring crowd, the stiffness that seemed possessing Aldous leaves space to softer moves and a warmer presence on stage, although the interactions with the people in the room are still not found. On Worms the intimate, soft and cozy atmosphere alongside the warm and deep voice triggered an immediate resemblance to a Cat Power in her best days.
The setlist for the night is mainly Train on the Island in its entirety, with a few intermissions from previous albums such as Warm Chris, Designer and Party that fit smoothly and cohesively, so much that there are no decibel peaks when an older tune is played. It seems that the Aldous Harding people love all her songs equally deeply.

I leave the venue right before the encore and while I walk out in the bright night, I finally hear the crowd releasing the most genuine scream of appreciation and gratitude for the beauty they’ve been given the privilege to witness.

Kneecap @ Sequoie Music Park

Scritto da Alessandra D'aloise il . Pubblicato in Vede.

Bologna, 16 Giugno 2026

Il mondo è bello perché è vario. Coesistono artisti come Francesco De Gregori, che ultimamente ha rivendicato il comodissimo diritto di non prendere posizione sulle questioni politiche del proprio tempo. E poi, per fortuna, esistono i Kneecap, che hanno costruito la propria carriera facendo esattamente il contrario. Mo Chara, Móglaí Bap e DJ Próvaínon sono soltanto una delle band hip hop più interessanti emerse negli ultimi anni dall’Irlanda. Sono un fenomeno culturale e politico che ha scelto di utilizzare la musica come strumento di lotta, di provocazione e di racconto. Nati nei quartieri repubblicani di Belfast, hanno costruito la propria identità artistica attorno alla difesa della lingua irlandese, alla memoria del conflitto nordirlandese e a una critica serrata del potere politico. Negli ultimi anni, però, il loro sguardo si è allargato ben oltre l’Irlanda, trasformandoli in una delle voci più esplicitamente schierate a sostegno della causa palestinese all’interno della scena musicale europea.

Martedì 17 giugno, al Sequoie Music Park di Bologna, il trio ha trasformato l’apertura della rassegna estiva in qualcosa di molto diverso da un semplice concerto. Più che uno show, una dichiarazione d’intenti. Più che un’esibizione, una piccola insurrezione danzante. I brani si susseguono come manifesti lanciati da un’auto in corsa. Beat martellanti, bassi profondi e quell’alternanza continua tra inglese e gaelico che, anche quando non viene compresa parola per parola, trasmette un’urgenza immediatamente riconoscibile. Non serve capire tutto: il punto non è la traduzione, ma l’energia. Quando partono Éire Go Deo, Get Your Brits Out e FENIAN, nessuno sembra preoccuparsi troppo di cogliere ogni singola sfumatura del gaelico. Quello che conta è il colpo allo stomaco dei bassi, l’immediatezza dei ritornelli e la capacità della band di trasformare ogni pezzo in un coro collettivo. La scaletta è costruita con intelligenza e cattiveria: pesca dal nuovo materiale senza dimenticare i brani che hanno reso i Kneecap un caso internazionale. Il risultato è un concerto che non perde mai quota, sempre in bilico tra festa di quartiere, manifestazione politica e finale di coppa europea. L’impressione, a tratti, è quella di trovarsi più in una curva che sotto un palco. I Kneecap dirigono il pubblico come capi ultras dell’antifascismo internazionale, alternando canzoni, slogan e cori collettivi. In uno dei momenti più significativi della serata, il trio interrompe il concerto per invitare sul palco Josè Nivoi del Collettivo Autonomo Lavoratori Portuali di Genova. Gli viene lasciato spazio e microfono per raccontare le ragioni delle mobilitazioni e degli scioperi portati avanti dal collettivo, da anni impegnato anche nelle campagne contro il transito di armi destinate ai teatri di guerra, in particolare Gaza. Una scelta perfettamente coerente con la filosofia della band: utilizzare la visibilità conquistata attraverso la musica per amplificare battaglie politiche e sociali.  Il finale con Bella Ciao, cantata da migliaia di persone sotto il palco, è apparso quasi inevitabile. Non come un rituale nostalgico, ma come la naturale conclusione di una serata in cui Belfast, Bologna e Gaza sono sembrate improvvisamente meno lontane tra loro.

Per il trio di Belfast, la politica non è un elemento accessorio dell’arte: è il motore stesso della loro esistenza artistica. Non un tema da affrontare occasionalmente, ma il linguaggio con cui leggere il mondo e dialogare con migliaia di persone. Ed è probabilmente questo il segreto del loro successo. Riescono a parlare di colonialismo, repressione culturale, identità nazionale, Palestina e antifascismo senza mai assumere il tono della lezione morale. La loro è una musica che fa pensare senza rinunciare a far ballare, che prende posizione senza perdere il senso dell’ironia e della festa. In tempi di slogan vuoti, neutralità di comodo e indignazioni prefabbricate, l’autenticità dei Kneecap è diventata un bene raro. E proprio per questo continua a riempire i concerti.

In copertina: foto d’archivio

A Day To Remember: spostato al Fabrique il concerto di Milano

Scritto da Redazione il . Pubblicato in News.

Cambio di location per l’unica data italiana da headliner degli A Day To Remember, in programma per il 28 giugno 2026 a Milano.

Per motivi tecnici, lo show non si terrà più al Parco della Musica ma al Fabrique, che ospiterà anche Grandson e Vianova come special guest della serata.

Restano invariati data e biglietti già acquistati, che saranno validi per l’accesso alla nuova venue senza necessità di ulteriori operazioni.

Il concerto si svolgerà in uno spazio al coperto, una soluzione che garantirà condizioni più confortevoli in piena stagione estiva.

Di seguito i dettagli aggiornati dell’evento:

A DAY TO REMEMBER
con GRANDSON e VIANOVA

28 giugno 2026
Fabrique, Milano

I biglietti sono disponibili sui circuiti di vendita ufficiali.