Monitor Festival @ sPAZIO211
Torino, 10-11 Luglio 2025
C’era una volta Torino e c’erano una volta i TOdays.
Poi cambia il mondo, i governi, il clima, le mode, ma i torinesi no, quelli mai. Tanto che ieri sera, allo sPAZIO211, sembrava quasi il 2019. È cambiato il mese, c’è qualche ruga in più, nel 2024 si è sperimentato su organizzazione, location e formula, ma il Monitor Festival riparte su basi solide, ingranaggi già oliati e un meccanismo che sa di funzionare. L’ultima volta sul prato di via Cigna era stato nel 2023, quattro proposte ogni sera e tanta sperimentazione, l’idea di fondo è la stessa.
Monitor nasce dal programmatico incastro tra MONdo, ITalia, TORino, indica un obbiettivo e un orizzonte, propone artisti noti e altri che sono piccole scommesse. Per la cronaca, in passato molte di queste “proposte minori” sono poi diventate realtà solide, confermando il fatto che gli organizzatori spesso hanno anticipato i tempi, con lungimiranza e competenza.
Nella settimana successiva al Kappa FuturFestival, nella stessa in cui viene annunciata la lineup del prossimo C2C, contemporaneamente al Flowers Festival, Torino si gode una nuova iniziativa musicale, figlia di Gianluca Gozzi, ideatore dei TOdays.
E possiamo definirlo festival indie, senza sentirci in colpa.
È indie nelle scelte musicali, perché pesca tra generi e luoghi diversi e lontani dal mainstream, perché si prende la libertà di uno sguardo laterale sul panorama musicale, perché consente di conoscere nuova musica dal vivo, e se ti piace, torni a casa con un vinile. Autografato. E con una colonna sonora per l’estate 2025, ma andiamo con ordine.
Il vostro inviato sul posto da anni ha inserito tra i parametri per valutare livello culturale dell’evento e del pubblico le t-shirt di gruppi musicali, indossate come biglietto da visita da astanti bisognosi di comunicare i propri gusti.
Solitamente i Joy Division vincono a mani basse, quest’anno invece segnalo la loro quasi totale assenza, e invece riporto casi notevoli, come Sonic Youth, King Hannah, Kraftwerk, Porcupine Tree e Pixies. Questo per indicare un marker culturale variopinto e ad alto tasso di malinconia.
Un festival si valuta infine anche da cibo, acqua, servizi, da come vive uno spettatore l’evento e da quanto può pensare solo alla scoperta musicale, senza dover tentare di sopravvivere. E, di nuovo, come i vecchi ToDays insegnavano, lo sPAZIO211 è come un giardino di casa. Tutto funziona bene, forse aiuta la dimensione raccolta dell’evento, o forse è proprio la formula corretta. La stessa, del resto, che ti permette di vedere i live a pochi metri dal palco, senza essere pressati, di poter parlare con gli artisti nel backstage, di incrociarli nel pubblico (presi una birra con gli Arab Strap, anni fa) e di poterli ringraziare di persona.
E, ovviamente, c’è la musica. Qui bisogna andare con ordine e far le cose per bene.
• Giorno Uno •
Apre il Monitor un gruppo di casa, The Cherrie Pies, nato come duo durante il lockdown del 2020 e che a maggio ‘24 ha pubblicato l’LP Don’t Just Say Things. A loro l’onere di rompere il ghiaccio, con uno stile molto americano, retrò, sospeso tra folk e garage. Tutto si gioca sul cantato diviso e condiviso tra la coppia Isaia/Zucca e su un consapevole e divertente sconfinamento tra generi, rigorosamente d’oltreoceano.
Segue Richard Dawson, dieci album alle spalle, l’ultimo del 2025, che vince, a mani basse, il premio per la non classificabilità del suo live. Il set è da busker, sedia, chitarra, microfono. Quello che nessuno immagina sono i suoi riferimenti musicali. Tralasciando la sua carriera sotto pseudonimo di compositore di musica elettronica, per sua stessa ammissione i numi tutelari della sua arte sono Henry Makobi, semisconosciuto chitarrista keniano attivo negli anni novanta e il qawwali pakistano, ossia musica sacra sufi. Poliedrico, sicuramente, e padrone del mezzo senza dubbio. Forse l’ascolto più impegnativo del festival.
Luvcat è la quota underdog ma anche rivelazione della prima serata, perché porta un live solido e di inaspettata maturità. Anche qui, il miracolo, sta nell’alchimia degli ingredienti. Prendete il Rat Pack, nella sua essenza crooner e miscelate con Cohen, Cure, Waits, magari un po’ di Velvet Underground. Il nome stesso da lei scelto deriva da una canzone dei Cure, anche se, leggenda vuole, avesse scelto inizialmente l’Elisa Day di Nick Cave e Kylie Minogue nella stupenda Where the Wild Roses Grow. Questo per chiudere il quadro dei riferimenti. Perché Luvcat e la sua ottima band sono il prodotto di cotanta miscela meravigliosa, sono romantici e gotici, sono oscuri e ironici, davvero notevoli.
Gli Shame sono reduci da diversi concerti in Italia, divisi tra festival e l’apertura dei concerti dei Fontaines D.C..
Al Monitor arrivano come nome di punta della prima serata, e si prendono il palco, il pubblico e tutto lo sPAZIO211 in un set muscolare ad altissimo tasso di sudore e polvere. Tutto come previsto, sia chiaro: Charlie Steen, frontman, rimane vestito per i primi due pezzi, poi rimangono pantaloni e bretelle. Le due colonne ai lati, Eddie Green e Sean Coyle-Smith immobili e puntuali, precisi e affidabili alle chitarre, mentre Josh Finerty macina chilometri con il suo basso. Charlie Forbes alla batteria.
Incasellati nella ormai logora e affollata casella del post-punk, gli Shame sono laterali rispetto ai blasonati Idles o già citati Fontaines. Li ho sempre considerati più educati musicalmente, più melodici, vicini ad art-rock e punk, anche se i loro live sono un crescendo che genera un meraviglioso caos. Non a caso Steen finirà il live sopra le teste del pubblico, letteralmente, e dopo aver provocato nelle prime file un piccolo ma attivissimo mosh che ha accompagnato la band per buona parte dello show.
La setlist pesca dall’intera discografia degli Shame, accontentando i fan dei primi lavori e chi apprezza invece gli ultimi album. In conclusione la band londinese ha reso onore al festival con un live ruvido, ben suonato, ben costruito e sicuramente divertente.
La prima serata chiude in perfetto orario, in una notte fresca e con una luna spettacolare a salutare il pubblico che guadagna l’uscita.
• Giorno Due •
Il secondo giorno del Monitor Festival è, probabilmente, quello con la lineup più intrigante.
Apre le danze Maria Chiara Argirò, romana trapiantata a Londra, che sul palco costruisce paesaggi elettronici che evocano immagini quasi cinematografiche. È un’architettura, tessuta con elementi jazz, ambient e synth pop. Il suo live è etereo e onirico, perfetto per aprire con eleganza la serata.
Si cambia completamente registro con Gia Ford, britannica ma con un mood decisamente statunitense, prodotta da Tony Berg, lo stesso di Phoebe Bridgers. Lo stile ricorda Sharon Van Etten, qualcosa di Lana Del Rey, l’art-rock di St.Vincent, anche se le atmosfere sono decisamente più languide, complice anche il set acustico scelto per la serata. Nei testi, cupi ma velati di sadica ironia, riemerge il lato britannico della giovane cantautrice, autrice anche di poesie, mentre il lato compositivo, come già accennato, pesca ampiamente oltreoceano.
Poi arrivano gli Yin Yin, e il Monitor pesca il suo jolly. Durante il set questi sono gli ingredienti che il mio subconscio ha evocato: i Calibro 35, i Teletubbies, qualche oppioide, il Giappone, un’estetica tra Kraftwerk e Lidl. Un mood stupendo, tanto che il pubblico è impazzito dopo pochi minuti e la loro esibizione è terminata con pubblica acclamazione, festa che è poi continuata sotto il portico dove si sono presentati per gestire in toto il merchandising.
Tre dischi all’attivo, olandesi di origine, programmaticamente devoti allo psych‑rock thailandese. Da aggiungere un bassista che trasuda funk, chitarre che virano surf, percussioni poliedriche dotate financo di gong (usato per una sola nota), un synth che programma viaggi spaziali.
Momento saliente: solo di batteria mentre il resto del gruppo consuma una sigaretta condita e condivisa, comodamente accasciati a terra, in contemplazione cosmica.
Non sono un gruppo, sono un’esperienza.
Il festival si chiude con un momento musicale alto. Molto alto. Sul palco sale Arooj Aftab, compositrice e cantante pakistana che vive e lavora a New York. Ha vinto un Emmy e un Grammy, ha ricevuto riconoscimenti in tutto il mondo, citata da Obama e osannata in patria, è stata da poco in Italia per due concerti ad aprile.
L’atmosfera è ricercata, luci soffuse e fumo, un profumo di incenso che per un attimo penso sia frutto di suggestione, tre musicisti di altissimo livello con lei: Petros Klampanis al contrabbasso, Engin Gunaydin a batteria e percussioni e Michael Haldeman alla chitarra.
Sembra di essere in un jazz club newyorkese, in cui si palesa una band che fa della fusion un elemento strutturale. Arooj canta in urdu e in inglese, gli elementi jazz, elettronici e folk si mischiano alla perfezione, si gioca con stili e stilemi, fino al metal, o al minimalismo. Lei è ironica e a suo agio, tra un pezzo e il successivo racconta e spiega le sue canzoni. Offre birre alla prima fila, gesto che le vale un applauso.
Il suo live è una conclusione dolce e di classe per il Monitor.
Sono state due serate intense, che sapevano di passato e di futuro allo stesso tempo, due serate che consegnano una promessa: che sia un reboot o qualcosa di completamente nuovo, poco importa, intanto è successo.
Ed è stato bello, come sempre.
BOtanique 2025
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13 Giugno • Nada
18 Giugno • The KVB
Report di Alessandra D’Aloise, foto di Sabrina Lelli
24 Giugno • Punkreas
25 Giugno • Romina Falconi
2 Luglio • Francesco Di Bella
3 Luglio • Anavitoria
10 Luglio • Bo Ningen
12 Luglio • Bambole Di Pezza
Tre Domande a: Malamore
Come e quando è nato questo progetto?
I Malamore sono nati nel 2018. Come musicisti, ci conoscevamo già da tempo, in quanto viviamo nello stesso paese (si può dire che siamo vicini di casa) e già in passato abbiamo avuto modo di condividere amicizia e vari progetti musicali insieme. Come nelle più belle relazioni d’amore crediamo che anche per fare musica ci debba essere un certo feeling tra i musicisti per portare quanto più in alto e lontano il tuo progetto. Così è stato ed è ancora tra di noi.
Cosa vorreste far arrivare a chi vi ascolta?
Nel corso degli anni ci siamo resi conto di riuscire a comunicare con la nostra musica nell’aspetto live più di ogni altra cosa. Ci è sempre piaciuto coinvolgere nella maniera più assoluta le persone che ci ascoltano e che vengono a vedere i nostri concerti. Per questo motivo vorremmo che arrivasse sempre di più la nostra energia a chi ci ascolta.
Progetti futuri?
Con il nuovo singolo pubblicato Un Fratello e con il precedente Rivoluzione Punk abbiamo dato il via a un nuovo percorso che si concluderà con un nuovo album dei Malamore. Già pronto e impacchettato e che non vede l’ora di uscire da quelle cartelle negli hard disk ed essere portato live in tutta Italia.
Roskilde Festival 2025
There’s some sort of relief when you realise you touched rock bottom: you acknowledge that worse than that cannot be and that the only way to go is up.
This was I kept repeating myself over the weeks waiting for this year Roskilde Festival and I’m happy to say, hopes were not disappointed.
Last year was so bad in so many ways that another festival with the same conditions would have been unconceivable this time around, so, it’s with some sort of relief that I noticed signs of improvement. Improvement in terms of lineup – I don’t want to say that just Deftones and Nine Inch Nails would have been a reason good enough to win me over, but I cannot deny that either – improvements in logistics and most importantly improvements in the overall mood that brought back that orange feeling so much missing.
This year arrival was the most comfortable ever, thank you to a magic paper rectangle that granted me access to the parking behind the backstage village. What a delightful experience, to carry all my bags and stuff in the trunk of the car instead of over my shoulders, and in the suffocating heat that characterised Wednesday!
I might have missed that feeling of wonder and the shiver down the spine given by the sight of the pinnacles of the Orange Stage, but it was wiser to look at the road. And yes, the Orange Stage was still there despite the plans to retire it: one more year of its iconic shape and one more year for the lucky ducky to watch over the crowds.
The festival opened with the warmest day of the Summer so far: a very much Mediterranean 32°C, humidity, little annoying stingy bugs and a handful of names in the program that made you sweat all you can sweat to cross the festival grounds.
By the time the gates opened I was all set: hugs given and received by the many photographer friends that crowded the press area, cameras ready, hopes and dreams all rolled out for the upcoming four days.
My plan for the day had five names on it with room for improvisation and by the time I got to the new Media Center – in a much better location than the previous years – I had passes for three out of four of those on restricted stages, given that, as expected, Charlie XCX confirmed her no photo policy.
I started with the lighthearted funk of Kokoroko to move on to the metal of Jinjer, where I was not ready for the dissonance between the figure of the lead singer Tatiana Shmayluk and the wilderness of her growl. Interesting.
The first big name of the day was Fontaines D.C., that in just three years moved from the promising but limited capacity of Avalon to the bright lights and tens of thousands of people of the Orange Stage. While in 2022 I covered them more out of duty than interest, this time around, after they released one of my favorite albums of last year, I really wanted to feel the songs of Romance on my skin. This unfortunately didn’t happen: at first, we were allowed in the pit as per the usual first three songs, then pulled out even before the band went on stage and told we had to wait for the last three songs, but we could wait in the crowd and take some shots from there. OK, a bit of deal because it meant not being able to cover Wet Leg, but at least I had the excuse to listen to the whole concert. Excuse that lasted less than a song, because security came and extracted us saying we had to wait at the backstage entrance and that only five photographers were allowed to go back in. Which five? Who knows. Let’s wait. After a while the five became two and that was my cue to revert my original decision and go cover Wet Leg.
I still don’t understand the five (yes, in the end they accepted five) photographers limit when at the end of their set invited on stage a number of activists pro Palestine: don’t you want to have as much coverage as possible for such a political act?
Anyway, at that point I was in front of the Arena stage not sure I was looking at the right band: I remember Wet Leg with their clumsy nightgown-dresses out directly from Little House on the Prairie but tonight they showed up in slutty outfits worth of a pyjama party at some college sorority, a show off of muscles and hormones. What happened to you?
Archived Wet Leg, the most dreaded text of the day came in: “Photographers are NOT allowed in the pit for Deftones”: what shall I do? Go with the cameras among the crowd or just enjoy fully enjoy the set?
I opted for the second option and I rejoiced of every single note that was played on stage.
Chino Moreno was jumping and screaming and caressing the ears of the crowd like I’ve always seen him doing, the pounding rhythms of the music an iron fist wrapped in the velvet glove of his voice.
For full transparency, Deftones are one of my favorite bands and it’s difficult to remain objective reviewing their set, but it is a fact that they delivered a very solid performance, with a setlist that cherry picked hits and crowd favorites from their discography. From My Own Summer (Shove It) to 7 Words, we were brought on a dark, sexy journey that peaked with an emotional rendition of Change (In the House of Flies). Chino and his guitar as a silhouette against an artificial sunrise, the ups and downs of the soft voice against the electrical storm of the guitars “Now, you feel so alive / I’ve watched you change”.
Yes, Chino, we watched each other change over the years but tonight I’ve never felt so alive.
Let’s fast forward days two and three: the storm of Wednesday night dropped the temperatures to a more enjoyable festival weather and of the many names you can see the galleries below, here are few highlights.
On Thursday I had two non-negotiables: the first, Beth Gibbons, the fragile queen of trip-hop in her touching solo version, so intense, so intimate, despite the early afternoon slot and too many chatty people under the Arena tent; the second, Bright Eyes (at the exact same time of FKA Twigs), rock wins over trendy pop performer – yes, I might have missed some beautiful photo opportunities, but the moment Conor Oberst starts singing everything else doesn’t matter.
On Friday I had just a draft of a plan but isn’t the beauty of festivals to have the opportunity to discover new and unexpected acts?
The day started with Fujii Kaze, a pop artist at his first ever festival appearance outside of Japan. It was like watching a tea ceremony but played on a piano. He rigorously bowed to the crowd at the end of every song.
The day ended with the most antithetical act to the one I started it with: John Cxnnor x Witch Club Satan. From the candid politeness of Japan to the doom of this Danish-Norwegian combo. Tribal dances, gloomy atmosphere, naked female creatures: a show that transcended music to become a pagan ritual. Given the dense crowd under the small tent of the Gaia stage, that was the place to be and it didn’t disappoint.
And finally we got to Saturday, the day that I was longing for the most with two of the big names (for my personal taste in music) of the festival: Anohni and the Johnsons and Nine Inch Nails.
The hopes to be able to shoot those sets were basically none and yet, life can always surprise you: both artists agreed to have photographers, with special conditions, but still enough to give you two photo galleries to scroll through.
Anohni is the shy caterpillar that over the years transformed into a fragile butterfly: you can really see her discomfort of being on stage and at the same time that discomfort becomes her power. Hands, eyes, every movement, every expression gain a meaning and a communicative force that hit deep where the feelings are. The stage looked like an aquarium, with scenes underwater of the great barrier reef and between song, testimonies of scientists and environmental activists that explained how we’re putting our world at risk. The one of Anohni and the Johnsons isn’t just a concert, it’s an act of love towards our planet and the moving melodies she sings some sort of CPR for our dry hearts.
As the day was fading into a bright nordic night, the Arena stage was taken by a different kind of expressive force, the massive power of Nine Inch Nails.
Wrapped in a bubble of light and smoke, the creature of Trent Reznor slammed their songs and their fierce energy straight into the face of the thousands gathered under the Arena tent. No frills, no distractions, just a solid hard wall of raging sound.
After a relatively soft beginning with The Beginning of the End, it was with Wish that the frenzy started: strobe lights, the band on stage seemed possessed and, I have to admit, it was so damn difficult to stay focused on the photography rather than jump and scream on top of my lungs.
“Now doesn’t it make you feel better?” Reznor sings in March of the Pigs – yes: I’ve never felt better!
Finished the first three songs, a quick run to the press center to drop my cameras and I was back at the edge of the crowd. It started raining, I didn’t care: Heresy, Copy of A, Closer, Every Day Is Exactly the Same… who cared of getting a bit wet when you were witnessing such a concert?
The sky stopped dripping and we were going towards the end of the set. There were two songs I really really really loved to hear and the fairy godmother of the concertgoers granted my wish: back to back we had the song of David (Bowie) and the song for David (Lynch), I’m Afraid of Americans and The Perfect Drug. Maybe not so mainstream like The Hand That Feeds or Head Like a Hole, but so emotionally impactful.
Time’s up, one last song to play and it cannot be other than the immortal, desperate Hurt. Piano, voice, the storm of the synths and it was over. Magnificent.
Goodnight, Roskilde. See you again next year.
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