The Swedish singer-songwriter and guitarist of Argentinian ancestry Josè González participated to the Percuotere la Mente festival last August 3rd in Rimini. González’s style is one of the most recognisable of the indie-rock scene, thanks to that acoustic sound that characterises his albums, including his latest Local Valley, where the melodies get enriched by lyrics sang in English, Swedish and for the first time in Argentinian Spanish, the language of his parents. Very different roots and cultures, the Argentinian and the Spanish one, that meet up in the music of this mindful and passionate artist we got to know better thought this interview.
On August 3rd, you took part to Percuotere la Mente 2022, a festival in Rimini with a tradition of hosting artists that pick people’s mind (note: Percuotere la Mente can be loosely translated as “Shaking the Mind”). Is there any particular reason that made you accept to take part to this festival, maybe related to the meaning of the festival name?
“Didn’t know about the meaning, but now that I know I’m glad they invited me! The last couple of records I’ve been aiming at writing lyrics that make people think differently – if they want :)”
What would “shaking the mind” mean to you?
“I guess exposing yourself to new ideas or perspectives and allowing yourself to think differently.”
Have you any expectation by playing in Italy, in front of an Italian crowd?
“Not that different to other summer crowds. But I am very excited though to play in Italy since I haven’t played that often compared to other European countries.”
You were born in Sweden, but to Argentine parents who left their homeland as political activists. What did it mean to you to grow up in a Swedish mindset and at the same time live the cultural and social background of your family?
“I’ve felt like it’s been great to have a mixed background and since I’ve lived in Gothenburg Sweden all my life I feel more Swedish than anything else. When I’m in Argentina I feel like a visitor but I’m sure that would change if I only spent more time there. I have a slight Mendozinian accent with some words that were popular in the 70’s.”
Has your music been affected from this and if so, how?
“I think my music has been affected by many things, some deliberate and some without thinking. I studied Spanish classical guitar, I learnt to sing and play through Beatles and bossa nova. And when I started to write my own songs I was heavily influenced by Silvio Rodriguez from Cuba. Around the time when I was collecting songs for my first album I was into singer-songwriter artists from UK and US – music that I listened to with my friends. So the songs were influenced by many styles and I wanted the album to be different from the other artists that were popular in Sweden at the time. I think my varied background helped me find my own mosaic style.”
What, in your opinion, should be the role of the artist during these times of wars, economic crises, and quite often super fast and superficial social interactions?
“The role of the artist and art in general is to be whatever the artist want it to be. There’s always room for different aims and ambitions. Some can be aesthetically pleasing and some the opposite. Some can be political and some simply out for mindless entertainment. Maybe the only thing to have in mind is how an artist uses their platform. The bigger the platform the more responsibility to not disinform or to stir hatred.”
You play your guitar using fingerpicking, a style that is no longer widespread, while many musicians use more digital sounds every day. Do you think that in the future music will be more and more synthetic?
“I don’t have clue of how the future will be. It’s been really fun to hear AI write Bach and Beatles and I look forward to see ABBA avatars but I’m a fan of the artisanal aspect of hearing and seeing people play acoustic instruments. I’m sure future AI’s and virtual experiences can take any kind of taste into account in the long future though.”
In Local Valley, your latest project released in 2021, you sing some songs in Argentinian Spanish-– the language of your parents – for the first time. Why did you decide to do so?
“I tried with my previous album but got stuck and switched to English. This time not so – it actually felt easy and fun! Maybe my ambition to impress my kids helped me.”
Let’s talk about Visions, one of the songs from Local Valley. Towards the end of the song you say “No, we can’t know for sure what’s next /But that we’re in this together/We are here together “, as if to reassure the listener that even if the future is uncertain, being united will give us the strength to overcome it. Where does this reflection of yourscome from?
“I seldom think my own thoughts. I try to lean on better and more informed thinkers. There’s a couple of places where I find interesting thinkers: The Long Now, Edge.org and the Effective Altruism community. They point toward challenges that need global collective action and collaboration: Ecological Crisis, Nuclear Weapons, Synthetic Biology, Misaligned Artificial Intelligence. But they also point toward the amazing things we have accomplished and can accomplish in possible futures. Resting on a humanist outlook I’m also thinking that we can’t rely on anything else than this life we have – after birth and before death.”
Local Valley is a look at the world filtered by love, art and reason. What is love for you?
“Just an evolutionary by product of electro-chemical firing of neurons to copy our genes. No, just kidding ;)”
Alma Marlia Editing and translation: Francesca Garattoni
Il cantautore e chitarrista svedese di origine argentina José González ha preso parte al festival Percuotere la Mente 2022 di Rimini lo scorso 3 Agosto. Quello di González può essere definito uno degli stili più riconoscibili dell’indie rock, per il suono acustico che caratterizza i suoi progetti, tra cui anche l’ultimo, Local Valley, dove le melodie si arricchiscono in testi cantati in inglese, svedese e per la prima volta anche in spagnolo di area argentina, la lingua dei suoi genitori. Radici e culture estremamente diverse, quella argentina e quella svedese, che si incontrano nella musica di un artista appassionato e consapevole che abbiamo voluto conoscere più approfonditamente con questa intervista.
Lo scorso 3 Agosto hai partecipato al festival Percuotere la Mente a Rimini, che si caratterizza per ospitare artisti intellettualmente stimolanti. C’è una ragione particolare che ti ha fatto accettare di partecipare a questa rassegna, magari correlata con il significato del nome stesso del festival?
“Non sapevo del significato del nome, ma adesso che lo sono sono felice che mi abbiano invitato! Nell’ultimo paio di dischi ho cercato di scrivere testi che facessero pensare la gente in modo diverso – se vogliono :)”
Cosa significa Percuotere la Mente per te?
“Immagino esporsi a nuove idee o punti di vista e permetterti di pensare in modo diverso.”
Che aspettative hai a suonare in Italia, di fronte al pubblico italiano?
“Non tanto diverse da altre folle estive. Ma sono comunque molto eccitato a suonare in Italia dato che non ho suonato qui tanto spesso come in altri Paesi europei.”
Sei nato in Svezia, ma da genitori argentini che hanno lasciato la loro patria in quanto erano attivisti politici. Cosa è voluto dire per te crescere in Svezia e unire il suo contesto al background sociale e culturale della tua famiglia? Come ne è stata influenzata la tua musica?
“Penso che sia fantastico avere un background misto e dato che ho sempre vissuto a Gothenburg in Svezia mi sento più Svedese che altro. Quando sono in Argentina mi sento come uno straniero, ma sono sicuro che cambierebbe se solo passassi più tempo lì. Ho un accento leggermente di Mendoza con alcuni idiomi che erano popolari negli anni ’70.”
La tua musica è stata influenzata da questa cosa e se si, come?
“Penso che la mia musica sia stata influenzata da un sacco di cose, alcune più deliberate e a altre senza pensarci. Ho studiato chitarra classica spagnola, ho imparato a cantare e a suonare attraverso i Beatles e la bossa nova. E quando ho iniziato a scrivere le mie canzoni sono stato pesantemente influenzato da Silvio Rodriguez da Cuba. Durante il periodo in cui stavo raccogliendo le canzoni per il mio primo album ascoltavo cantautori del Regno Unito e degli Stati Uniti – musica che ascoltavo con i miei amici. Così le canzoni sono state influenzate da molti stili e volevo che l’album fosse diverso dagli altri artisti che erano in voga in Svezia in quegli anni. Penso che il mio background così variegato mi abbia aiutato a costituire il mosaico che è il mio stile.”
Quale, secondo te, dovrebbe essere il ruolo di un artista in questo periodo fatto di guerre, crisi economiche e rapporti sociali sempre più veloci e in alcuni casi superficiali?
“Il ruolo dell’artista e dell’arte in generale è quello di essere qualsiasi cosa l’artista vuole che sia. C’è sempre spazio per diversi scopi e ambizioni. Alcuni possono essere esteticamente piacevoli e altri l’opposto. Alcuni possono essere politici e altri semplicemente a disposizione per dell’intrattenimento spensierato. Forse l’unica cosa da tenere a mente è come l’artista usa le sue piattaforme. Più grande la piattaforma, più grande è la responsabilità di non disinformare o istigare odio.”
Tu suoni usando il fingerpicking, uno stile che non è più molto diffuso, mentre altri musicisti usano sonorità digitali ogni giorno di più. Pensi che in futuro la musica sarà sempre più sintetica?
“Non ho idea di cosa ci riservi il futuro. È stato divertente sentire che un’intelligenza artificiale ha scritto Bach e i Beatles e non vedo l’ora di vedere gli avatar degli ABBA ma sono un sostenitore dell’aspetto artigianale di ascoltare e vedere le persone suonare strumenti acustici. Sono comunque sicuro che le intelligenze artificiali e le esperienze virtuali potranno tener conto di ogni tipo di gusto in un futuro lontano.”
In Local Valley, il tuo ultimo progetto uscito nel 2021, canti per la prima volta alcune canzoni in spagnolo argentino, la lingua dei tuoi genitori. Perché questa scelta?
“Avevo provato nei miei album precedenti ma mi ero bloccato ed ero passato all’Inglese. Questa volta non è successo – a dire il vero è stato facile e divertente! Forse la mia ambizione di far colpo sui miei figli mi ha aiutato.”
Parliamo di Visions,una delle canzoni di Local Valley. Verso la fine del brano tu dici “No, we can’t know for sure what’s next /But that we’re in this together/We are here together” come a voler rassicurare l’ascoltatore che, anche se il future è incerto, essere uniti è l’unica forza che ci farà superare il momento. Da cosa nasce questa tua riflessione?
“Penso raramente pensieri miei. Cerco di fare affidamento su pensatori migliori e più informati. Ci sono un paio di posti dove trovo pensatori interessanti: The Long Now, Edge.org e la comunità Effective Altruism. Mettono in evidenza sfide che necessitano di un’azione e collaborazione collettiva globale: crisi ecologica, armi nucleari, biologia sintetica, intelligenza artificiale disallineata. Ma mettono anche in evidenza tutti i fantastici successi che abbiamo realizzato e che possiamo realizzare in futuri possibili. Tornando ad una visione più umanistica, penso anche che non possiamo far affidamento su nient’altro che su questa vita che abbiamo – dopo la nascita e prima della morte.”
Local Valley è uno sguardo sul mondo filtrato dall’amore, dall’arte e dalla ragione. Cosa è per te l’amore?
“Solo un sottoprodotto evolutivo degli stimoli elettrochimici dei neuroni a copiare i nostri geni. No, scherzo ;)”
Alma Marlia Editing e Traduzione: Francesca Garattoni
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A C I E L O A P E R T O X
Villa Torlonia (San Mauro Pascoli) // 2 Agosto 2022
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• Arab Strap •
Parco Miralfiore (Pesaro) // 29 Luglio 2022
Sexto ‘Nplugged (Sesto al Reghena) // 30 Luglio 2022
[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]“Non me ne frega niente del passato, dei nostri gloriosi giorni passati”… è affidata a The Turning Of Our Bones, come prevedibile, l’inizio del live degli ArabStrap a Sexto ‘Nplugged, ancora ferito dalla improvvisa e imparabile defezione del giorno prima dell’accoppiata AgnesObel + TimberTimbre.
Giunti alla soglia dei cinquant’anni e freschi di pubblicazione del recente e convincente AsDaysGetDark, AidanMoffat (bermuda in jeans con risvoltino, camicia blu e abbondante sudorazione sulla folta barba bianca) e MalcolmMiddleton (cappellino d’ordinanza, t-shirt nera di qualche band che non sono riuscito a decifrare e pinocchietto… insomma ecco mi pareva doveroso sottolineare un outfit non indimenticabile, per quanto trascurabile, concordo) hanno riempito una già di suo affollata piazza Castello con un live di grande (sorprendente?) potenza e vigore.
Gli ArabStrap si presentano in formazione allargata a cinque, batteria, basso e tastiere oltre alla chitarra di Middleton e ai synth di Moffat, ed è quest’ultimo, ovviamente, a tenere il palco e le redini del discorso. Nonostante non sprechi preziose energie e tempo ad interagire col pubblico, giusto un paio di “grazie” e “thanks”, un “this is a song about a very bad hangover”, la sua presenza riempie il palco, la sua voce fa il resto e completa la magia. Metà scaletta proviene dall’ultimo lavoro, nel quale svetta sulle altre una versione magnifica di Fable Of The Urban Fox ed una TearsOnTour sensibilmente riarrangiata (e forse addirittura migliorata). I volumi si mantengono decisamente alti, i momenti più distorti sono decisamente apprezzati dal sottoscritto, anche quando vanno a sovrastare brutalmente la voce di Moffat; un live nel quale le contaminazioni postdei Nostri si apprezzano ancora più che da disco, un live nel quale, se ce ne fosse ancora bisogno, siriesce a carpire e capire l’unicità di una band che ha saputo fondere in sé riferimenti musicali così diversi e rielaborali in un suono che alla fine è solo loro.
La chiusa è di quelle da strapparti il cuore dal petto e farne pezzetti, una TheShyRetirer in versione acustica, chitarra e voce, di abbacinante bellezza, nonostante le fioche luci che in quel momento illuminano Aidan a Malcolm.
Sleep is not an option tonight.
Alberto Adustini
foto di Francesca Garattoni e Massimiliano Mattiello
Da dove iniziare a parlare del Roskilde Festival, istituzione danese dal 1971, quest’anno alla sua 50ª edizione (posticipata dal 2020)?
Partiamo dall’inizio: è l’una di pomeriggio di mercoledì 29 Giugno, fa un caldo terribile per la Danimarca, sono schiacciata da 12 kg di zaino sulle spalle pieno di macchine fotografiche e obiettivi, il computer, annessi e connessi, ho due braccialetti al polso che mi daranno accesso al festival e ai palchi e sto camminando in salita.
Ma chi me lo sta facendo fare?!
E poi, inizia a vedersi un pinnacolo arancione in mezzo agli alberi, sto arrivando da dietro l’iconico tendone arancio dell’Orange Stage, simbolo del festival dal 1978 quando l’organizzazione lo comprò di seconda mano da un tour dei Rolling Stones, e mi rendo conto di starmi avviando verso una cosa forse più grande di me, un’emozione intensa mi prende alla gola sapendo chi è passato su quel palco e tristemente la tragedia che ci si è consumata davanti. È difficile spiegare a parole la sensazione allo stesso tempo di timore reverenziale dettata da un posto che mi ha sempre fatto molta paura (nel 2000 avevo circa l’età dei ragazzi che sono rimasti schiacciati dalla folla, il pensiero va sempre lì: e se fosse capitato a me?) e di pura gioia e senso di appartenenza. Come due poli uguali di una calamita che generano due forze tanto opposte quanto potenti, una paura inconscia e il richiamo affascinante di un’esperienza nuova ancora tutta da vivere, è bastato un passo verso le cancellate per sbilanciare questo stallo emotivo e farmi attrarre dal magnetismo che un evento del genere esercita su chi, come me, è affamato di musica.
Dopo vari tentativi e km camminati a vuoto per trovare il backstage village, è stato il momento di andare a perlustrare il festival prima dell’apertura al pubblico, letteralmente la quiete prima della tempesta. L’area dove si svolge il programma musicale del festival è grande, circondata da aree altrettanto grandi adibite a campeggio, piccoli villaggi con altri palchi, aree ricreative, installazioni artistiche e altro ancora, tant’è che nella settimana del festival la città di Roskilde da decima, diventa la terza più popolosa del Paese.
È surreale passeggiare in questi grandi spazi, sfilare davanti ai palchi ancora silenziosi e immaginare quanto sarà calpestato il terreno tra poche ore.
A quanto pare c’è un rituale che assomiglia più ad una spedizione di caccia grossa che ad un festival: i fotografi si vestono con delle pettorine ben visibili, si vanno a posizionare in punti strategici, possibilmente al riparo di qualcosa per non essere travolti, e cercano di catturare questa specie di migrazione di gnu hippy. Allo scoccare delle cinque in punto del mercoledì pomeriggio, si aprono i cancelli che separano i campeggi dall’area del festival e c’è “la grande corsa” per accaparrarsi un posto in prima fila al proprio palco preferito.
Il mercoledì è una giornata breve ma intensa, si apre con Fontaines D.C. e in poche ore si alternano sui palchi nomi come Robert Plant, Post Malone e Biffy Clyro. Il mio Tour de Force, in parallelo al Tour de France che si svolge su suolo danese in questi stessi giorni, inizia quindi con un giro di ricognizione: cerco di capire come muovermi tra un palco e l’altro, i percorsi più brevi, gli ingressi ai pit, le posizioni strategiche e quali obiettivi montare sulle macchine.
Alla fine della prima giornata, dopo solo sei concerti, i piedi bruciano come se avessi camminato sui carboni ardenti, ma sono solo 13 km in scarpe da tennis: come faccio ad arrivare a sabato?
Qualche ora di sonno, un’occhiata veloce alla foto e giovedì ricomincia la rumba con un programma ancora più fitto di quello del giorno prima. Oggi tappa crono, nel senso che ho i minuti contati: dalle 16:00 in poi ad ogni scoccare dell’ora un nuovo concerto da fotografare, spostarsi da un palco all’altro attraverso fiumi di gente e birra, ma nonostante tutto riesco a vedere un pezzo di redivivo indie rock direttamente dal mio amato Pacific Northwest, Modest Mouse, e a seguire una reminiscenza adolescenziale, le TLC, per poi saltare da Jimmy Eat World e tornare ad una musica più pacata ma non meno energica con The Whitest Boy Alive, forse uno dei gruppi che più di tutti stuzzicavano il mio interesse. Pausa. Ora di tirare fiato prima della reginetta pop Dua Lipa sull’Orange Stage ma soprattutto, molto più intrigante per me, la dolcissima Phoebe Bridgers con la sua banda di scheletrini a suonare all’Avalon. Atmosfera, delicatezza, un tocco di malinconia intimista molto più nelle mie corde delle ballerine scosciate viste poco prima.
Quattro giorni di festival sono lunghissimi, come un weekend con tre venerdì, ma il venerdì quello vero arriva e porta con sè The Smile, il neonato progetto di Thom Yorke e Jonny Greenwood presto anche in Italia, e Arlo Parks, energica poesia R&B. Venerdì è la tappa di montagna, come ben rappresentato dalla scenografia che Tyler, the Creator fa installare sull’Orange Stage, e lui così tanto nel ruolo dello stambecco che giustamente si fa fotografare solo da lontanissimo. Venerdì porta anche la pioggia, un paio di scroscioni brevi ma intensi che purtroppo liberano nell’aria quegli odori acri e fermentati tipici di festival, sopiti i giorni precedenti dal terreno secco e assetato di birra (più o meno processata dal corpo umano). Un festival non può considerarsi tale se non ti prendi almeno due gocce d’acqua: è chiaramente indicato nello statuto dei festival nordici, capitolo “avversità inutili per il gusto di dar fastidio”. Adesso, quindi, siamo in regola anche con questo.
Sabato: arriva il Tour de France, per davvero, che chiude le strade dalle sette di mattina e mi obbliga ad una levataccia se voglio essere presente al rituale giornaliero della distribuzione dei pass per l’Orange Stage, che oggi ha il programma più ciccio dei quattro giorni: St. Vincent, Haim e The Strokes.
Ma come dice il detto, il mattino ha l’oro in bocca e in particolare a queste latitudini, dove già alle 5:30 è giorno fatto da un pezzo, mi dà l’occasione di vedere un altro aspetto del festival altrimenti non celebrato abbastanza: il lavoro incredibile che fa il personale – esclusivamente volontario – per rendere possibile il tutto. Per la rubrica Non Tutti Sanno Che, infatti, il Roskilde Festival è un evento non-profit; si basa ogni anno sul lavoro di circa 30,000 volontari che montano, smontano, puliscono, gestiscono, sorvegliano e aiutano e chi più ne ha più ne metta in modo che, al netto delle spese vive, il ricavato della settimana vada a supporto di iniziative umanitarie e culturali a beneficio di bambini e giovani.
Tornando a noi e alla mia passeggiata tra prati che venivano ripuliti dall’immondizia del giorno prima, strade spazzate e facce assonnate, mi ritrovo a far colazione con kanelsnurrer appena sfornate (ci sarebbe da scrivere un articolo solo sulla varietà e la bontà dell’offerta culinaria) ad un tavolo condiviso con tanti altri mattineri come me, baciata dal sole mentre guardo il tendone dell’Avalon vuoto e silenzioso, ignaro – ed io con lui – di quello che avrebbe visto da lì a poche ore durante il live indemoniato degli Idles.
La giornata scorre piuttosto veloce, tra Big Thief e St. Vincent – da oggi in poi anche detta Barbie Rockstar, grazie ad una performance impostata e plasticosa – e finalmente arriva il momento: The Strokes come ultimo headliner. Aspettative altissime, soprattutto memore del live sorprendente al Primavera Sound del 2015, ma… il “momento” si è fatto attendere ben mezz’ora – cosa che ai festival proprio non si fa – e forse visto il disastro che si è svolto sul palco forse era meglio che il momento non arrivasse mai. Julian Casablancas è stato a dir poco imbarazzante nella sua performance, stonato, fuori tempo e apertamente senza voglia alcuna di intrattenere le decine di migliaia di persone che si aspettavano di chiudere il festival con il nome più atteso dei quattro giorni. “Siamo qui, dobbiamo ammazzare il tempo” – non esattamente la dichiarazione di un frontman carismatico; il resto del gruppo nel frattempo faceva il suo sporco lavoro, ma senza particolare coinvolgimento nè nei confronti del suo cantante nè nei confronti degli astanti. Uno spettacolo così misero e un meltdown così pesante non lo vedevo da anni, davvero un peccato e un po’ una vergogna che sia successo nel momento più alto di quello che altrimenti sarebbe stato un festival delizioso.
Lasciandomi alle spalle una Last Nite che da lontano sembrava vagamente meno massacrata di Reptilia, ho salutato il festival grande grosso e che mi faceva paura solo pochi giorni prima con un sentimento di affetto e gratitudine, promettendogli di tornare ancora. Qui lo chiamano orange feeling e adesso capisco a cosa si riferiscono.
Francesca Garattoni
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