Viviamo tempi incerti. Incerti e frenetici. Assorbiti da quotidianità sempre meno “a misura di persona”, oramai anche leggere un libro, ascoltare un disco, sta diventando un atto quasi elitario, per pochi. Anche noi della redazione di VEZ siamo presi dentro a questa gigantesca centrifuga, ma cerchiamo ancora, spesso a fatica, di ritagliarci del tempo per continuare a starci, in quella élite, e nutrirci di arte, in qualunque declinazione essa si presenti. E quindi eccoli qui i nostri 5 dischi del 2024 che ci hanno in qualche maniera aiutato a sentirci, anche per poco, più felici, migliori.

Quando si avvicina la fine dell’anno cominciamo a tirare le somme di tutto quello che è successo nel corso dei vari mesi. E “fare questa lista” di VEZ5 mi fa rendere conto, anno dopo anno, quanto la musica influisca su di me in base al mio umore. La mia classifica è un po’ stramba, c’è un po’ di tutto perché mi hanno accompagnato durante i miei vari cambi d’umore della giornata.

Quindi: c’è grinta e tenacia, necessario per dare sprint e carica alla mia giornata; c’è sensualità ed eleganza, per coccolarmi; c’è dolore e rassegnazione al vuoto, per crogiolarmi nei piantini; ma c’è anche la voglia di uscire da tutto ciò. E infine c’è la perseveranza: essere se stessi e credere in quello che si fa è l’unica strada per rimanere veri e sopravvivere in un mondo che sembra volerci solo copie di copie di copie.

Kim Gordon The Collective

Sua Maestà.. Khaleesi del suono distorto, Prima Signora dei Sonic Youth, Protettrice del Noise Rock, Dea del basso, Madre degli Alternativi…..Ci ha fatto questo immenso dono, è tornata! Per far capire a tutti che il talento e la grinta non hanno età. Il suo The Collective è la prova che non esiste un limite alla volontà umana, la Signora Kim Althea Gordon ha deciso di giocare con le sonorità beat trap e hip hop, partorendo per noi un disco unico, aggressivo, caotico, provocatorio.
Sfrutta a suo vantaggio una modernità così (apparentemente) lontana da lei, creando un pandemonio di suoni industrial, di voce reale e di autotune (in Psychedelic Orgasm), chitarre elettriche esagitate, testi molto contraddittori (in Bye Bye ci trolla con la lista delle sue cose da portare per il tour? E in I’m a Man dissa malamente gli uomini, traendone un ritratto becero e patetico.)
Ma c’è un brano più di tutti che colpisce per la aura sexy e intrigante, con la voce a tratti sussurrata e lasciva, ed è Shelf Warmer. Ricorda molto lo stile dei Massive Attack ai tempi di Mezzanine.

Traccia da non perdere: Shelf Warmer

Billie Eilish Hit Me Hard and Soft

Una delle voci più emozionanti per quel che riguarda il panorama pop degli ultimi anni.
La ragazzina strana sta lasciando il posto ad una creatura magnifica che sta abbandonando il disagio e la ribellione adolescenziale, dimostrando una maggiore coscienza di sé e delle sue potenzialità, e conseguentemente una voglia di sperimentare e di migliorarsi. Se in Happier Than Ever il fiore sta sbocciando, in Hit Me Hard and Soft ha spalancato i suoi petali vellutati verso il futuro.
Questo periodo di crescita si denota dalla voce, più delicata e ricercata. Questo nuovo disco scopre una Billie Eilish dolce e assertiva; gioiosa e giocosa; seducente, aperta a parlare del suo mondo interiore, delle proprie emozioni e sentimenti.
La bellezza di questo album? Non è pop. Ci sono dei pezzi più ritmati, veloci, da passare alla radio, ma il resto dei brani è talento incanalato nel verso giusto.
Ma crescere significa anche fermarsi, ogni tanto, e guardare indietro a ciò che eravamo, alcune volte con non poca nostalgia, e questo succede anche a Billie, che si lascia sfuggire Blue, un pezzo elegante, in cui la sua voce inizialmente ci coccola con una raffinatezza e sensualità sconsiderata, in una ballad ritmata per circa 1 minuto e 50, per poi cambiare drasticamente registro e diventare improvvisamente malinconico e dannatamente doloroso. Tutto sprofonda lentamente nell’Oceano, la voce di Billie ci accompagna giù nelle acque oscure e misteriose, fino al disperdersi della sua voce. Rimangono solo i violini.

Traccia da non perdere: Blue

Mannequin Pussy I Got Heaven

Sono Punk. Sono la speranza per il futuro. I Mannequin Pussy pestano palchi dal 2010, non sono proprio dei ragazzini. Ci sono stati vari cambiamenti all’interno del gruppo, ma i fondatori del gruppo (Colins “Bear” Regisford, bassista e Marisa Dabice, cantante) tornano quest’anno con una nuova formazione, soprattutto dopo l’entrata di Maxine Steen che ha portato con sé il suo talento, la sua chitarra e anche le sonorità synth.
I Got Heaven è un disco VERO. Crudo, romantico, disperato, divertente, contraddittorio come solo le persone reali possono essere. Musica fatta da comuni mortali, per i comuni mortali.
La voce di Marisa è cangiante, è maturata e col tempo ha imparato a capire e gestire le proprie emozioni, lasciando la rabbia e la disperazione negli album precedenti. Sul palco si muove provocatoria e magnetica, si è attratti dalla sua voce, dal timbro e dal suo dualismo, capace di estrema grazia come di aberrante aggressività.
Ora con queste nuove capacità è in grado di donarci leggerezza in pezzi come I Don’t Know You e Nothing Like; brani più contaminati dall’indie rock come Split Me Open, e due attacchi da 1 minuto e mezzo circa l’uno di cattiveria punk.
L’anima della band risuona in OK? OK! OK? OK! un esplosione incontrollata di furia bestiale punk, dove il ruglio di Bear alternato alla voce acutissima di Marisa crea un contrasto violento, l’orso grande e grosso che sembra voglia ingoiare la piccola ragazza indifesa, in realtà la vuole solo proteggere, così lei si sentirà al sicuro e potrà fare pace con sé stessa ed evolvere.

Traccia da non perdere: OK? OK! OK? OK!

Tom Odell Black Friday

L’artista è una persona fortunata, rispetto a noi poveri umani senza arte né parte. Se hai talento e provi un forte dolore, puoi veicolarlo tramite le tue abilità, facendo del bene a te stesso e anche agli altri che possono immedesimarsi, e tramite l’esperienza del dolore dell’artista il pubblico ne esce salvato egli stesso. Quindi dobbiamo ringraziare e benedire il dolore perché riesce a portarci a livelli che forse da soli non potremmo arrivare. La dimostrazione di ciò tra tutti è forse Tom Odell, dopo essere stato mollato dalla sua etichetta nel 2021, la sua canzone è stata “popolarmente” eletta come canto di ribellione. Nelle piazze tante donne cantavano intorno al fuoco “And if somebody hurts you, I wanna fight…”, la sua canzone di 10 anni fa. Questo forse ha dato la spinta per tornare, mettersi in studio registrare Black Friday, che celebra il suo ritorno sulla scena musicale. Un disco profondo, intenso e senza dubbio intimo. Si ha la sensazione che Tom sia con noi sul divano, e ci stia parlando dei suoi guai come un vecchio amico che non vediamo da un po’.
La sua forza è una sorta di empatia vocale, con la voce riesce a emozionare, colpendo in un punto molto profondo dell’anima di chi lo ascolta. Ci fa entrare nel suo personale universo, fatto di depressione, di rifiuto della realtà e del chiudersi dentro una mente che gioca contro di noi. Non si può incastrare dentro uno stile, lui semplicemente scrive, prende la chitarra e in studio registra. E’ la sua vita in musica, senza troppi fronzoli. Solo cuore, voce e musica. (e l’orchestra)
Il dolore, la malinconia e la rassegnazione sono i punti su cui verte l’intero disco. Ma parla anche del modo in cui ognuno di noi trova un modo per tirarsi su, accettando che nulla è perfetto ed eterno.
Non esistono filtri con Tom Odell, è dolore reale quello che trasmette in Nothing Hurts Like Love eci commuove in Black Friday con le sue spiccate doti vocali. La semplicità con cui tratta temi delicati sconvolge e interisce, alcune volte provenire da un’altra epoca come in The End Of The Summer e in Somebody Else, che è una carezza di un nonno, una ninnananna sussurrata appena.
The End è la canzone più soave e triste del disco, qui la voce di Tom diviene eterea, svanisce quasi, fondendosi con il piano e il violino.

Traccia da non perdere: The End

God Is an Astronaut Embers

Questo gruppo è una sicurezza del mondo del post-rock strumentale. Da circa vent’anni si impegnano per mantenere alto lo standard in questa musica (manco tanto) di nicchia.

I God Is an Astronaut sfornano il loro undicesimo album, sempre con lo stesso scopo: catapultarci attraverso la musica verso l’Universo, tra costellazioni brillanti e nero profondo. La loro musica è in grado di aprire i chakra dell’immaginazione e far lievitare la tua anima fino a posti meravigliosi.
Questa volta hanno lasciato un po’ da parte la loro peculiare vena malinconica per spostarsi verso luoghi tranquilli, immersi nella calma perenne. Ma il loro stile rimane invariato, hanno solo modificato la destinazione del viaggio, ma la carrozza rimane la stessa di sempre.
Forse è proprio questa la loro ancora di salvezza, rimanere imperturbabili alle mode e ai tempi che cambiano.
L’album si apre con Apparition, un pezzo che inizia timidamente, per poi sconfinare in melodie multietniche con sitar e sonorità epiche, che sembrano voler riecheggiare fino alla fine dell’eternità. La nostalgia tipica che li contraddistingue si manifesta in Falling Leaves, che contribuisce a creare quell’impalcatura del sogno che ci condurrà durante tutto il viaggio in cui ci condurranno.
A bordo della loro astronave sonora toccheremo isole paradisiache orientali, terre incontaminate, scenderemo giù negli abissi fino a lambire la volta celeste, e ci spingeranno più su, grazie a intro epiche e transizioni uniche. Con la musica creano ambientazioni che esulano dal contesto fisico.
In un brano in particolare, Realms, la presenza della violoncellista e compositrice londinese Jo Quail contribuisce a creare uno mondo onirico, con echi ancestrali che rievocano epoche antiche.

Traccia da non perdere: Realms

Erano sicuramente i primi giorni di dicembre.
Ed era, altrettanto sicuramente, il 1994.
Le nostre telefonate non erano lunghe: due maschi, diciassette anni, stesso nome e stesso amore per il mare.
“C’è d’onda, vieni?”
“Non ho neanche la muta, però cerco di scendere sabato, non garantisco”.

(Per un piemontese andare al mare implica dirigersi verso sud, quindi si scende al mare, inevitabile).

“Ah, hai sentito l’ultimo di Ligabue?”
“Andrea”
“Eh”
“Ma vaffanculo”.

Andai.
Valigia, walkman, chiavi di casa, treno.
Al mio arrivo il mare era una tavola, in un’era senza previsioni meteo in tempo reale, laptop e telefoni in tasca, l’unico oracolo valido erano le ginocchia di Tonino, bagnino emerito, e le sue sensibilissime cartilagini. Un igrometro umano, un barometro alimentato a focaccia. Ma, talvolta, falliva.

Finimmo a far finta di studiare, perché dalla metropoli avevo portato qualcosa per salvarlo dal Ligabue mannaro che si trasformava nei i R.E.M. dopo mezzanotte. Avevo, nel walkman, la medicina per guarirci da un anno nero e pesante. 

Il 1994 era iniziato con il più grande EP della storia, Jar of Flies degli Alice in Chains, che mi procurò non poche vertigini causa altissimi livelli di oscurità e intimità. Jeff Buckley, Soundgarden, Nine Inch Nails, Portishead, Weezer, Beastie Boys, avevano pubblicato i loro capolavori, mentre all’orizzonte si intravedevano nuove realtà, dagli Oasis ai Blur, dai Low ai Green Day, e poi Prodigy, Aphex Twin e tanti altri.
L’8 aprile di quell’anno trovarono il corpo di Kurt Cobain. Anche allora, in qualche modo, Andrea era intervenuto, ma è un’altra storia. Sei mesi dopo, a inizio novembre, avevo nel walkman l’Unplugged dei Nirvana, e ivi sarebbe rimasto, fino a quando un’altra cassetta avrebbe preso il suo posto, il terzo disco dei Pearl Jam, Vitalogy. 

Una medicina, dicevo. 

Avevo studiato quel disco a memoria, avevo una montagna di risposte a un sacco di domande e stavano tutte in quelle quattordici tracce. Facciamo tredici. Forse dodici. 

Vitalogy era arrivato come una boccata d’aria che ti riempie i polmoni, dopo un’apnea forzata, dopo aver sentito il cuore esplodere.
Kurt non c’era più e un disco incredibile come l’Unplugged lo aveva fatto tornare, come un fantasma, come un tormento. Avevo consumato quella cassetta come se un ascolto quotidiano fosse l’unico modo per tenere vivo il legame. 

Non andava tutto benissimo. L’adolescenza è un discreto mistero, con picchi altissimi e baratri piuttosto profondi, scarsa visibilità e nessun navigatore. Però c’erano gli amici, la musica, la famiglia, lo sport e qualche amore. Il problema era l’intensità con cui si vivevano certe emozioni e determinati eventi, o, forse, era proprio la parte divertente.
Il nostro studio alternativo aveva lati in realtà produttivi e creativi.
Fu così che letteratura e musica si fusero, in iperbolici supergruppi, con un Baudelaire come seconda voce degli Alice in Chains, un Pascoli padre dello shoegaze e Leopardi che scrive l’Infinito con A Forest dei Cure nelle cuffie. 

“Ah, in Corduroy muore Vedder/Werther, un suicidio letterario”.
“Ecco, questo Vitalogy, com’è?”
“Questo Vitalogy è come l’inferno di Dante. Pieno di fantasmi, qualche buon consiglio e memorabile monumento per le generazioni future”. 

In realtà era lo specchio di un gruppo a pezzi. Vedder e soci erano sulla trentina, ma quello che avevano partorito, per dinamiche e cronologia, era l’album dell’adolescenza. Avevano incantato il mondo con i primi due lavori, il terzo fu rottura, fu opposizione, fu affermazione di sé. Il problema fu che sembrava stessero facendo questo percorso in tempi e luoghi separati, cuciti insieme solo dalla lungimiranza di Brendan O’Brien, che non concesse loro il lusso dell’implosione. O di sparire, come fece Kurt. Anche di questo si parla in Vitalogy, della responsabilità del continuare a vivere, del sopravvivere a certi eventi e farlo non solo per inerzia, ma testimoniando una certa visione positiva, così démodé in quegli anni. Vitalogy era rabbia verso chi aveva mercificato ogni cosa, dalle mutande di Vedder alla “morte del Grunge” avvenuta, secondo la stampa, ad aprile di quell’anno. Last Exit, Not for You, Whipping erano lì per mandare a stendere tutti e per affermare a gran voce la propria identità. 

Come può non amare tutto questo un adolescente che, nel suo piccolo, ha davanti a sé dinamiche molto simili? Come può non perdersi dentro Nothingman e sapere che ogni volta che verrà lasciato da una ragazza ci sarà la canzone perfetta per struggersi con un certo stile? Come non si può amare Betterman, una canzone rimasta nel cassetto per anni, esclusa da due album e che Vedder tentò di tenere fuori anche da Vitalogy, per difendere il suo privato, perché non esiste la giusta misura nel darsi agli altri, soprattutto se sei sopra un palco, o appeso sopra di esso?

Non si può non amare Vitalogy, che ci lascia con Immortality, in cui il suddetto palco diventa patibolo e che termina con quel “some die just to live” che sa di dedica, di epitaffio e di monito allo stesso tempo. Quella frase, pochi anni dopo, la scrissi sul fondo della mia tavola da surf di allora. 

some die just to live

Vitalogy è stato, è e sarà sempre il mio album preferito perché contiene al suo interno tutto quello che amo e tutto ciò che odio dei Pearl Jam. Perché mi ha aiutato dopo una perdita molto più dolorosa di quella di Cobain. Perché lo suonava in spiaggia Stefano, ottimo chitarrista, che poi ha fatto di mestiere proprio il chitarrista. Perché è stato il primo vinile acquistato quando mi sono potuto permettere un impianto. Perché Betterman è un dolore intimo per chitarre e stadio. Perché l’unica volta che ho ascoltato Nothingman dal vivo fu a San Siro, 2014, quando allo stadio, vicino a me e dentro la pancia di sua mamma da pochi mesi, c’era mia figlia.
Vitalogy fu l’amore conclamato, Ten e Versus erano stati solo sesso.

Cosa, ancora?
Il karma ci vede lungo. Dopo un sabato di studi, dopo pasta al tonno e numerose birrette, la domenica a pranzo le ginocchia di Tonino iniziarono a vacillare.

“Ti fermi?”
“Ho solo una versione di greco, domani”
“Perfetto, allora”.

All that sacred comes from youth,
dedication, naïve and true.

Nulla di più vero.
Grazie per questi trent’anni, mio disco preferito. Sei stupendo come allora, imperfetto e trasparente, sono fortunato ad essere stato adolescente assieme a te.