Venerdì 8 e sabato 9 marzo si svolgerà a Bologna – e per la prima volta presso l’Estragon Club – l’appuntamento live 2024 di Europavox, progetto artistico-musicale co-finanziato dalla Commissione Europea attraverso il programma Europa Creativa, finalizzato a promuovere la scena musicale europea. 

Katia Giampaolo è impegnata professionalmente su più fronti nel mondo musicale italiano, tra i quali quello di dirigere, assieme a Lele Roveri, l’Estragon Club e di occuparsi attivamente dell’organizzazione di Europavox. 

In questa bella chiacchierata, veniamo a conoscenza della caparbietà con cui siano riusciti nell’obiettivo di portare Europavox in Italia. Se ci son voluti dieci anni per riuscirci, niente di più facile è quello di partecipare da spettatori, scoprendo e godendo del meglio della musica europea del momento, in un unico evento.

Europavox a Bologna. Da quanto tempo si svolge?  

“Il progetto Europavox nasce nel 2006 a Clermont-FerrandinFrancia. Ci sono voluti dieci anni per diventare partner ufficiali. Nel 2016 abbiamo presentato l’application a Europa Creativa e il nostro progetto è stato l’unico di musica contemporanea, su 126 presentati, che ha avuto il finanziamento. Siamo in sette paesi europei, in questo momento Italia, Croazia, Belgio, Austria, Francia, Lituania e Romania. Ognuno di noi ospita un evento all’anno di Europavox nelle varie città quindi in Bologna, Bruxelles, Vienna, Clermont-Ferrand, Vilnius e Bucarest. Abbiamo dalle sei alle otto/dieci – e anche più – band emergenti per ogni paese.”

A questo proposito, come avviene la selezione dei musicisti per Europavox?

“Noi peschiamo dal portale europavox.com, focus sulla musica e sui musicisti. Ogni mese presentiamo una top ten e quindi dieci proposte dall’Europa, una da ogni paese diverso, solitamente contestualizzate in quel mese con una motivazione, ad esempio l’uscita di un album o un nuovo tour. Nel portale diventano 120 proposte all’anno e, moltiplicate per tutti gli anni, immagina quante ne sono! Abbiamo anche una certa elasticità sugli headliner, ma almeno sei band in ogni manifestazione arrivano dal circuito.”

Soddisfatta della line-up per quanto riguarda l’evento specifico di quest’anno?

“Siamo assolutamente contenti, di assoluta qualità. Ogni anno, chi segue Europavox, ne riconosce la qualità, magari di artisti che forse non ne ha mai sentito parlare e poi ne resta piacevolmente colpito. Siamo riusciti a portare Pomme, assoluta headliner in Francia, poi Cristina Donà (leggi qui l’intervista) e ancora Aoife Nessa Frances (Irlanda), ci sono gli Ada Oda che hanno già il loro seguito, che cantano in italiano e vengono dal Belgio, poi La Pegatina (Spagna) che non suonano da dieci anni a Bologna, Alo Wala (Danimarca), i Venga Venga (Portogallo) per la prima volta in Italia, e infine i Rumba De Bodas!”

L’8 e il 9 marzo all’Estragon, non ci sarà solo musica ma anche fotografia.

“Sì, ci sarà la mostra fotografica di Richard Bellia, fotografo francese molto acclamato e che ci porterà i suoi scatti storici degli anni ’80 – ’90. Non vediamo l’ora di presentarla. Speriamo che per le due giornate vengano anche gli appassionati di fotografia.”

Quanto è impegnativo organizzare questo specifico evento? Immagino sia molto complesso.

“È un processo molto lungo. Siamo in tre a curare l’evento Europavox dal punto di vista artistico. Siamo io, Pasco dei Joycut, c’è Lele che è il nostro direttore artistico di Estragon. Quest’anno la prima giornata è più alternativa e cantautorale, curata da Pasco direttamente, la seconda curata da Lele. Si seleziona dal portale una band per paese e non di più, rispettando certe caratteristiche. Inoltre, si è condizionati dalle disponibilità degli artisti, in quanto si sceglie la band e ad esempio non può, perché impegnata per Eurovision o altri impegni professionali come tour o registrazioni. Ci abbiamo messo quattro mesi per completare la line-up.”

Per quel che riguarda l’impegno in quelle giornate di svolgimento?

“Avere più artisti che arrivano ognuno da più paesi diversi, quindi pick-up in aeroporto o treno, le organizzazioni dei vari soundcheck, poi le serate, le promozioni, le interviste. È sicuramente impegnativo, ma fa parte del nostro mestiere, lavorare tanti mesi su una manifestazione e in quei giorni lì puoi far vedere al pubblico quanto deciso.”

Un evento di questo genere è realmente importante, dal punto di vista dei contenuti. Se organizzato a Bologna e non, ad esempio, in città come Milano o Roma, vuole dire che chi organizza questo tipo di eventi ha un sentimento particolare verso il valore della condivisione di culture nuove e tra loro differenti.

“Sono d’accordo con te e vuole dire che i nostri messaggi arrivano. Io lavoro all’Estragon dal ‘97 e quindi sono 27 anni e siamo rimasti con il pensiero di 27 anni fa. Non ci siamo mai adeguati a questo mondo che va, anche, in direzione diversa, in quanto vogliamo creare cultura e cultura vuol dire aprire la mente alle persone. Aprire la mente lo posso fare col gruppo mainstream e che vedi ovunque, ma il mio dovere è far scoprire al pubblico qualcosa che altrimenti non avrebbe la possibilità di ascoltare. È super doveroso. Con tutto il rispetto per tutti quanti, l’80% delle band proposte, tolti gli headliner, nessuno le ha mai sentite nominare, eppure nei loro paesi sono headliner, sono artisti estremamente conosciuti. Perché Bologna e no Milano o Roma… anche perché a Bologna come festival e operatori culturali siamo in netta maggioranza. Bologna, città Unesco per la musica, è veramente tale e noi siamo orgogliosi di essere qua.”

Lancia il tuo invito a partecipare!

“Un invito a non fermarsi davanti a nomi non conosciuti, ma non solo per Europavox, ma in generale per tutto. Andare a scoprire le cose che non si conoscono, perché è l’unico modo per poter veramente cibarsi di cultura. Quindi non fermarsi a ciò che ci dice la tv e la radio ma avere la curiosità per il nuovo, al costo di una pizza. Il mio invito al pubblico è di essere numeroso, lo dico sempre. Per Europavox, su Mailticket c’è un abbonamento molto economico, con 20 euro per le due giornate oppure l’ingresso singolo di 15 euro a giornata.”

Sono tornati i Voina, e lo hanno fatto alla grande, con un nuovo disco appena uscito, irruento, diretto, rock e sincero, come è solita essere questa band abruzzese, che dopo oltre dieci anni di carriera ha ancora voglia di portare in giro per l’Italia la sua energia e il suo amore per la musica.

Abbiamo fatto due chiacchiere con Ivo Bucci, voce dei Voina.

Ciao Ivo, innanzitutto grazie della disponibilità. 

“Grazie a voi.”

Allora inizierei subito con una domanda difficile, se sei d’accordo. Cito dalla vostra pagina Facebook sul post di lancio del vostro nuovo disco: “un inno alle cose rotte e a come glorificare i propri errori e incidenti” per cui ti chiedo intanto quali siano le cose rotte alle quali fate riferimento e se alla fine è sempre giusto o necessario ripararle (Kintsugi, il titolo del disco, è letteralmente una tecnica di restauro ideata alla fine del 1400 da ceramisti giapponesi per riparare le tazze in ceramica per la cerimonia del tè, NdA)?

“Beh, le cose rotte sono riferite alle nostre fragilità e insicurezze e diciamo che per il nostro benessere, se non proprio aggiustate, diciamo che vanno trattate, lavorate. Però forse quello che questo disco cerca di spiegare è che queste cose rotte, queste fragilità, sono importanti, sono parti di noi. Viviamo in una società che tendenzialmente cerca di nasconderle, portandoci a voler mettere in mostra solamente la nostra parte bella. Il kintsugi invece è l’opposto, quando noi ci rompiamo e reincolliamo diamo valore proprio alle crepe.”

E nel percorso dei Voina ci sono queste crepe?

“Il disco in effetti è proprio dedicato alla band, non perché siamo passati attraverso a chissà quali tempeste, però se pensi ad una band che nasce in provincia, sotto il segno e il sogno dell’indie vecchia scuola, quello del DIY, attraversare dieci di musica nei quali è cambiato tutto, dal covid alle crescite personali di ciascuno di noi, le difficoltà quindi del far convivere le nostri parti giovanili con quelle adulte, e in questo senso è proprio un voler ogni volta ricostruirsi, mettendo di volta in volta in mostra queste ferite.”

Se volessimo trovare un denominatore comune che possa fungere da unione tra le varie tracce del disco?

“Bah, è difficile. È un disco che segna un po’ un ritorno al passato, in quanto siamo tornati a registrare in presa diretta dopo tanto tempo, disco scritto tutto in sala prove, per cui forse per questo si potrebbe usare il termine maturità.”

Visto che hai toccato l’argomento ti volevo chiedere appunto a livello di registrazione e realizzazione, dato che è il primo disco che fate con Andrea Di Giambattista dietro al mixer, un nuovo studio di registrazione, insomma come è andata la realizzazione di Kintsugi anche in relazione a questo cambio di rotta.

“Guarda ci eravamo accorti già ai tempi in cui abbiamo registrato Ipergigante, grossomodo nel 2020, che ci stavamo abituando a lavorare come si lavora oggi nella musica, ovvero in modo abbastanza solitario, cioè uno scrive qualcosa, la manda a qualcun altro, e invece volevamo tornare un po’ alla base del rock, della sala prove, registrare in presa diretta, è stata proprio una scelta direi stilistica.”

I brani del disco sono tutti recenti o avete anche recuperato qualcosa che avevate lasciato per strada?

“In Abruzzo si dice “del porco non si butta via niente”, per cui sì, per alcuni brani abbiamo recuperato qualcosa, per esempio Mal di Gola è un brano che avevo scritto qualche anno fa e che avrei voluto sempre inserire nel disco ma non trovavamo mai il vestito migliore… che poi si è rivelato essere quello più semplice, chitarra e voce.”

C’è qualche brano del disco che è risultato più ostico da realizzare? E ce n’è uno a cui sei legato in particolar modo?

“Un brano su cui abbiamo lavorato tanto perché non riuscivamo a trovare la quadra è Fortini, che è la ballad, diciamo così. È quello che ci ha dato più problemi ma che adesso in realtà ci sta dando più soddisfazioni. Brani preferiti… probabilmente Mal di Gola, un brano che avevo scritto pianoforte e voce, e ci tenevo a fare in modo che rimanesse molto semplice, e per come è finita nel disco rende l’idea dell’intimità che volevo trasmettere.”

Quanto secondo te in Kintsugi riflette il momento attuale che stiamo passando, politicamente, socialmente, economicamente… voglio dire, è un disco che rispecchia il tempo in cui viviamo o se fosse stato scritto dieci anni fa o tra vent’anni sarebbe suonato uguale?

“Dal punto di vista testuale è un disco che ne risente molto, del momento intendo, e credo sia uno chiaro segnale di maturazione, almeno per quanto mi riguarda. Nei dischi precedenti i testi erano più adolescenziali, più introspettivi. In questo invece non direi che c’è una critica sociale chiara ma il disagio è rivolto verso il fuori.”

Ti dico, avevo avuto questa impressione soprattutto in Che Vita di Merda, il cui testo è molto diretto, forte, e molto bello per altro.

“Sì sì, direi che hai colto sicuramente. È qualcosa che infatti percepisco come un’evoluzione della band, una maturazione.”

Sempre riferito ai testi, normalmente li scrivi dopo aver sentito le parti strumentali o qual è il tuo modus operandi?

“I testi li scrivo anche senza la musica, magari ascoltando anche altra musica, e poi solitamente tiro giù qualche melodia, un riff, che è un punto di partenza sul quale si lavora poi.”

C’è stato qualche ascolto, qualche band, che hai ascoltato di recente che in qualche modo credi possa aver influenzato la tua scrittura?

“Se dovessi dire un nome, credo ti direi i Fontaines D.C. e il disco Skinty Fia, un disco molto bello complesso, e lui (Grian Chatten, NdA) è un autore di altissimo livello.”

Un’ultima domanda in merito al tour, che se non ho letto male è in partenza a breve.

“Sì, iniziamo il 1° Marzo da Pescara, in casa, poi una decina di date abbastanza raccolte e quest’estate sicuramente faremo qualche altra data, però ecco, non possiamo più fare sessanta date sennò mia moglie mi caccia di casa!”

E a ragione! Va bene, io ti ringrazio molto per il tempo che ci hai dedicato, e in bocca al lupo per il tour!

“Grazie a voi, a presto.”

Any Other, all’anagrafe Adele Altro, è una polistrumentista e produttrice di base a Milano. I suoi segni distintivi sono: canzoni introspettive e profonde, un’armonia semplice e leggera e testi unicamente in inglese. A fine gennaio è uscito il suo terzo disco stillness stop: you have a right to remember e noi abbiamo approfittato per farle due domande a riguardo.

Ciao Adele, grazie per la tua disponibilità. Prima di addentrarci maggiormente sul tuo nuovo splendido disco vorrei chiederti una cosa, soprattutto in considerazione del lasso di tempo che è passato tra Two, Geograpy e stillness, sei anni, che normalmente, nell’industria musicale brutalmente detta, sono un’eternità. Qual è il tuo rapporto col tempo, e col trascorrere di esso? Inteso sia con l’accezione naturale come maturare/invecchiare ecc, sia in riferimento alla musica e ai suoi, di tempi.

“Vero, sei anni sono tanti, però solo se li si prende come un di tempo di pausa artistica, però la questione non è così semplice. Da una parte penso che sia giusto che quando si fanno le proprie cose, a livello artistico e non solo, non mettersi pressa. Almeno io mi rendo conto che con me funziona così: non ha senso accelerare soltanto perché il mondo mi chiede di farlo. E qua mi collego la seconda questione: ho la fortuna di fare il lavoro della musicista e quindi è vero che sono passati sei anni, però in questo periodo il progetto Any Other non è mai stato fermo, e nel frattempo ha fatto un sacco di altre cose. Non li ho sentiti questi sei anni ecco. Più in generale che dire? Mi sembra che più si diventa grandi più il tempo passi velocemente. A parte che non so quand’è che si smette di diventare grandi, però diciamo che più passa il tempo più il tempo passa in fretta. Quindi diciamo che adesso mi sto facendo tante domande anche su come potrei gestire il mio tempo.”

Stillness, stop: you have a right to remember è il tuo terzo lavoro, uscito per 42 records il mese scorso, a sei anni dal tuo ultimo disco, Two, Geography. Com’è stato il processo creativo, hai cambiato qualcosa rispetto a prima? E i brani nuovi sono più o meno tutti recenti o c’era materiale già esistente, pronto per essere ultimato?

“Si e no. Per alcuni pezzi, cioè Zoe’s Seed e Need of Affirmation, le prime bozze risalgono addirittura al 2016, quando era da poco uscito il mio primo disco. Invece Awful Thread che è l’ultimo pezzo del nuovo album, l’ho scritto in studio mentre stavo già registrando. Quindi tutto molto spalmato nel tempo. Poi per dire anche i due pezzi che ho abbozzato otto anni fa in realtà poi li ho rimaneggiati nell’ultimo anno prima di registrare. Non mi è successo di avere un pezzo già pronto che era stato scartato e di inserirlo direttamente in un nuovo disco. Diciamo che ho salvato dei pezzettini che mi piacevano e me li sono portata dietro per riscriverli. In realtà questa modalità di scrittura dei testi è stata abbastanza analoga a quella che ho usato per scrivere gli altri due dischi: organizzare il materiale e vedere cosa mi piace, cosa risuona con me in quel momento. Perché magari una cosa scritta otto anni fa non mi sembrava giusta e oggi invece, rimaneggiata, mi suona perfettamente. In generale è stato molto naturale suonare questo disco, anche grazie al coinvolgimento di Marco Giudici, per quanto fin ora la produzione è sempre stata una cosa che facevo da sola e non avevo mai condiviso con qualcun altro. Ma farlo in questo modo e con questa persona lo ha reso estremamente naturale.” 

Te lo avrei chiesto dopo ma, visto che lo hai citato, quanto è importante avere una figura come Marco Giudici che, immagino, funga da aiutante e ti aiuti a cercare un equilibrio nelle scelte musicali? 

“Io e Marco suoniamo insieme da dieci anni ormai, c’è un tale livello di confidenza e di intimità che a me piace dire che abbiamo un neurone solo. Mi rendo conto che affidargli la coproduzione di questo disco è stato molto utile. Infatti avere il supporto di qualcuno che ti conosce molto bene, conosce molto bene la tua musica e il tuo modo di fare musica spesso mi ha permesso di rilassarmi visto che non ero lì a dover prendere le decisioni da sola. È stato molto utile e molto bello avere a fianco a qualcuno così.”

Sono curioso di chiederti in merito alla copertina del disco. In passato “c’hai sempre messo la faccia” mentre questa volta niente colori, niente volti, come dobbiamo interpretare questa “svolta”?

“La copertina è stata realizzata da Jacopo Lietti. Siamo partiti da una mia necessità che era appunto quello di rompere un po’ la catena rispetto alle copertine dei dischi vecchi, dato che avevo sempre messo un elemento fotografico a tutta copertina, senza scritte. Questa volta avevo voglia di fare un po’ una cosa opposta quindi non avere foto nella parte esterna ma solo un immagine stilizzata e magari dei segni grafici. Volevo mantenerla anche molto minimale dal punto di vista della palette. Infatti questo bianco e nero insieme ricorda un po’ una stampa. In realtà una volta che si apre il disco c’è una foto molto colorata un po’ massimalista proprio perché volevo dare questo contrasto.”

La tua discografia al momento è composta da tre capitoli principali, cioè i tuoi tre dischi, che sono frutto della stessa mente eppure tra di loro sono non direi diversi quanto piuttosto dotati di una propria chiara identità. Come li vedi tu, sono delle istantanee del momento, per quanto complesse e variegate, o sono piuttosto tre tappe di uno stesso percorso?

“Senza dubbio un mix delle due cose. Perché, secondo me, è molto importante metterci tanto tempo a scrivere un disco ma poi farlo uscire in poco tempo, proprio perché sono fotografie di un momento specifico della tua vita, di chi sei tu sia a livello umano e, quasi soprattutto, a livello artistico. Però, allo stesso tempo, chi sei tu non è un evento legato dal contesto o da una storia o da un percorso, quindi inevitabilmente sono più cose sono legate insieme semplicemente dal fatto che le hai fatte sempre tu.”

Credi sia giusto affermare che uno dei grandi temi centrali del disco sia quello della crescita personale? E in riferimento a questo quanto sei cambiata tu e in che maniera rispetto dal tuo primo lavoro Silently. Quietly. Going Away? Sia in termini di consapevolezza di te, della tua musica, di quello che cerchi da un disco e di quello che vuoi trasmettere.

“Non saprei perché mi metto proprio in un’altra prospettiva. Diciamo che essere capito o riuscire a comunicare qualcosa è incalcolabile, quindi, per quanta consapevolezza si possa avere è sempre difficile pensare di fare qualcosa perché così poi in quel modo si viene capiti più facilmente. Sicuramente però dopo anni a scrivere canzoni e fare i dischi diciamo che mi conosco io e so quali sono le mie le mie capacità, so cosa ho da mettere sul piatto. Poi non è detto che quella cosa lì riesca sempre ad innescare un click con le persone. Ti direi che sicuramente ho più consapevolezza di me come musicista e come compositore però non è mai una certezza.”

C’è un brano del disco a cui sei legata particolarmente? E ce n’è uno che è risultato particolarmente difficile da scrivere, per ciò che rappresenta per te?

“Se sono legata ad un brano più di un altro ti direi di no, non sento una preferenza di un pezzo di rispetto ad un altro. Invece, sicuramente invece Awful tread è stato il più difficile da fare. Ne abbiamo fatte credo tre versioni prima di arrivare a quella definitiva. Sì, se non sbaglio, quella che poi è uscita sia la terza o quarta versione che abbiamo registrato. Perché musicalmente è un brano molto semplice ma a livello di contenuto è molto pesante, ed è molto complesso riuscire a bilanciare questi due aspetti. Inoltre è un pezzo in cui sentivamo sia degli elementi acustici che gli elementi più di elettronica insomma ci ha dato un bel filo da torcere. Però la versione che siamo riusciti a tirar fuori ci è piaciuta. C’è un lieto fine fortunatamente!”

Quanto sono cambiate le canzoni da prima di entrare in studio a quelle che sono uscite poi sul disco? Non solo a livello di editing ma anche di arrangiamenti e di modifiche fatte in studio.

“Va un po’ da pezzo a pezzo. Ad esempio If I Don’t Care e anche in Zoe’s Seed, che sono brani più legati ad una scrittura “accordi, chitarra e voce”, la parte poi arrangiamento è stata più semplice. Infatti la parte di archi di Zoe è stato molto naturale, tante parti sia di piano che di basso le avevamo già quindi non c’è stata una gran fatica. Allo stesso modo per If I Don’t Care, ha un arrangiamento molto semplice a livello musicale quindi non è cambiato così tanto rispetto al provino che c’è stato prima di registrare. Invece ci sono altre canzoni su cui il lavoro è stato molto più grande ma perché avevano delle necessità un po’ diverse, come Awful Thread oppure Stillness, stop in cui c’è un accordo solo però ha una melodia ricchissima. La difficoltà infatti era come facciamo a dare tridimensionalità una cosa che non ce l’ha? Oppure Second Thought era un pezzo che avevo scritto all’inizio con un arpeggio di chitarra e la voce ma alla fine ho deciso che non avevo voglia di fare l’ennesimo testo con la chitarra quindi abbiamo buttato via tutto facciamo e abbiamo fatto l’arrangiamento delle voci. Quindi direi che sì, dipende molto dal pezzo in questione, alcuni sono proprio cambiati altri invece sono rimasti nella loro versione originale.”

Il tour come sta andando? Ho visto che farai diverse date non solo in Italia ma anche in Europa. Queste date le stai facendo in quintetto. Oltre a Marco che è anche il produttore del disco, gli altri compagni di viaggio come li hai scelti? C’è una differenza a livello di rapporto e ricezione col pubblico tra l’Italia e l’Europa?

“A livello di ricezione ti direi di no ma la differenza più grande che ho sempre notato è che negli altri Paesi europei c’è un po’ la tendenza positiva di partecipazione ai concerti anche di gruppi e/o artisti che non si conoscono. Qui è un po’ più difficile riuscire a mettere su una serata quando l’artista già non è conosciuto. Comunque premetto sempre che le mie considerazioni sono tutte pre pandemiche perché io non vado in tour all’estero dal 2019 quindi non so se negli ultimi cinque anni è cambiato tipo tutto. La mia band che spacca tantissimo con ovviamente Marco Giudici al basso, Giulio Stermieri al piano e ai synth. Giulio, tra l’altro, ha registrato il piano di Indistinct Chatter ed è stato incredibile. Poi c’è Arianna Pasini alla chitarra elettrica e sintetizzatore e Nico Altramondino che invece suona la batteria e le percussioni. Infine, ci piace pensarla come al nostro sesto elemento, è la nostra fonica Annalisa Vetrugno, che spacca veramente un sacco e anche grazie a lei la resa ai concerti è incredibile. Noi siamo tutte persone che spaccano, ognuna di queste personalità ha dei progetti musicali personali e sono tutti artisti oltre che musicisti. E infatti consiglio sempre di andare ad ascoltare e cercare loro cose perché sono tutti molto interessanti.”

Avete lavorato molto molto a livello di preparazione al tour? Cioè gli arrangiamenti sono stati manipolati molto per essere poi riproducibili dal vivo? 

“No, devo dire che è stato tutto molto naturale. Ovviamente abbiamo dovuto spostare alcune parti di certi strumenti. Certo, sarebbe molto bello portare gli archi in tour ma non siamo Bruce Springsteen e non possiamo permettercelo. Scherzi a parte, alcune cose sono state spostate ma più in termini di posizionamento, magari parti di piano acustiche le abbiamo cambiate di ottava perché non suonava bene ma piccole cose.”

Foto di Copertina: Ludovica De Santis